Définition

Pour faire la mise au point en photographie, il faut cibler un élément de la scène. L’appareil détermine alors à quel distance se trouve le sujet et déplace les lentilles de l’objectif pour que ce sujet soit net. La mise au point est donc directement liée à la distance entre le sujet et l’appareil. Un élément plus éloigné ou plus proche que ce sujet sera alors flou.

Exemple: sur le schéma ci-dessous, la mise au point est faite sur la fleur rouge. Les fleurs bleu et verte seront alors flou car en dehors de la zone de netteté.

Il y a donc une zone où le sujet est net et deux zones (en avant et en arrière) où tout est flou. C’est cette zone où les détails sont nets que l’on appelle la profondeur de champ.

Comment influencer la PDC ?

Plusieurs paramètres permettent de maitriser la profondeur de champ.

• Ouverture: Plus l’ouverture est grande, plus la profondeur de champs est courte.

Exemple: les deux photos suivantes ont été prises dans les mêmes conditions. Avec une ouverture F/22 (faible ouverture), la profondeur de champ est maximale: quasiment toutes les cartes sont nettes.

Avec une ouverture F/3.5 (grande ouverture), la profondeur de champ est très courte: seule la première carte est complètement nette.

• Longueur Focale: Plus la focale est grande, plus la profondeur de champ est courte.

• Distance du sujet: Plus le sujet sur lequel est faite la mise au point est proche, plus la profondeur de champ sera courte.

Par exemple, sur le paysage de montagne ci-dessous, mêmes si les sommets sont à des kilomètres les uns des autres, ils sont tous nets, car très éloigné de l’appareil.

Si on reprend l’exemple précédant, il n’y a que quelques centimètres entre la première et la deuxième carte. pourtant la différence de netteté est très visible car les cartes sont très proches de l’objectif.

Bilan

Pour avoir une profondeur de champ la plus courte possible, il faut donc:

• Une grande ouverture
• Une grande focale
• Etre le plus près possible du sujet

Et inversement pour avoir une grande profondeur de champ.

Principe

Contrairement au JPEG ou au BMP, le RAW n’est pas standardisé. Chaque constructeur d’appareil photo utilise sont propre format de fichier RAW.

Quelques exemples:

Le format RAW correspond en fait aux données brut en sortie du capteur (« raw » signifie « brut » en anglais). De ce fait, le format RAW n’est pas véritablement une image: il s’agit d’une bouillie d’informations ordonnées qui permet de générer une image. Ainsi le RAW n’est pas utilisable en tant que tel, il doit d’abord être  »développé » (d’où sont nom parfois de négatif numérique).

Pourquoi utiliser le RAW ?

Comme il contient beaucoup plus d’informations qu’un JPEG, les possibilités de retouches avec un RAW sont plus larges. Il est notamment possible de retravailler la luminosité de façon plus poussée avec un RAW. Par exemple, il est possible de rattraper (dans une certaine limites) des zones cramées et faire ressortir des détail a priori perdus. Dans le cas cas d’une situation complexe d’un point de vue de l’exposition, il sera donc préférable d’utiliser le RAW.

Pour les même raisons, il est préférable d’utiliser ce format pour la photo HDR car on cherche à avoir une gamme dynamique la plus large possible.

Grace à la souplesse de ce format, il est également possible de gérer complètement la balance des blancs après la prise de vue.

Du fait qu’il est non-destructif (pas de compression), c’est un format qui est très utile au retoucheur ou au photographe qui veut maitriser l’exposition en post-production.

Inconvénients

Ce format est très utile mais il a ses limites notamment au niveau du poids des photos. Une image enregistrée en RAW pèse plus lourd qu’un JPEG (au moins 4 fois plus en fonction de la compression du JPEG). Cela demande donc un système de stockage conséquent (cartes mémoire, disque dur,…).

Comme on la vu plus haut, le RAW n’est pas une image directement exploitable. Pour pouvoir l’utiliser il va falloir passer par un logiciel qui va faire la conversion. Cette étape demande un peu plus de travail qu’avec un rendu JPEG classique et donc un effort supplémentaire dans le processus de création.

Par exemple le logiciel UFRAW (logiciel libre) permet d’exploiter ce format. Il peut être utiliser seul ou en complément de Gimp (Je reviendrai surement sur ce logiciel dans un futur article).

Conclusion

Pour résumer, en utilisant le format RAW, vous obtiendrez la plus haute qualité possible de votre appareil mais cela demande une gestion des fichiers particulière.

Pour récapituler:

Si vous voulez en savoir plus sur ce format de fichier, je vous conseil la lecture de l’article Comprendre le format RAW de cours-photophiles.com, c’est très technique mais très complet.

Voici quelques pistes, quelques idées pour photographie la ville.

Qu’est ce qu’une ville ?

La question n’est pas si anodine. Comme pour tous les projets photo, il faut toujours garder en tête le message que l’on veut faire passer. Qu’est que je veux mettre en avant ? Quelle caractéristique de la ville je veux faire ressortir ?

Les perspectives: Toujours intéressant à exploiter, les perspectives sont omniprésentes en ville: une longue avenue qui file à perte de vue, un immeuble plus haut que les autres, un couloir de métro… Chaque coin de rue est un régal de longues lignes droites ! Elles sont partout, il ne reste plus qu’à construire votre image autour de ces lignes.

L’architecture: Pas la peine de chercher une maison d’architecte pour faire de la photo d’architecture. Scrutez autour de vous, il y aura toujours une construction qui sort de l’ordinaire, un petit détail qui mérite l’attention. On regarde souvent tout autour de nous de nous et on oublie ce qu’il se passe au-dessus de notre tête, alors levez les yeux, une ville, c’est grand mais c’est haut aussi !

L’agitation: La ville c’est le mouvement. Des voitures qui passent, des foules qui se déplacent. Pour faire ressortir le mouvement, augmentez le flou: les objets ou les personnes qui se déplacent apparaitront alors légèrement flou.

La verdure: Il est toujours possible de trouver un carré de nature en ville: un parc, les arbres d’une avenue, un groupe de pigeons sur un trottoir. Photographiquement, il peut même être intéressant de faire ressortir le contraste entre un carré de pelouse et une rue remplie de voiture. La nature a donc sa place en photographie urbaine.

Cliché ou originalité ?

Il serait dommage de visiter Paris et de revenir avec la classique photo de la Tour Eiffel « en pied ». En cherchant un peu, il est toujours possible de trouver un angle de vue original. L’idée c’est de faire ressortir un détail invisible ou mettre en valeur une caractéristique ignorée.

A l’inverse, pourquoi ne pas utiliser les clichés et les transformer en caricature? Paris est réputé être la ville du romantisme: l’image d’un couple en train de s’embrasser dans une ruelle de Montmartre « marchera » bien.

Une fois encore, ce choix est à faire en fonction du message, de ce que vous voulez faire passer dans la photo.

La nuit

La nuit, la ville se transforme, les sources de lumières se multiplient, au grand bonheur du photographe!

Les voitures, les lampadaires, les vitrines, les enseignes lumineuses sont autant de sources de lumières exploitables. De toutes les couleurs, de toutes les formes, de toutes les intensités, les possibilités de créations sont infinies.

L’aurore et le crépuscule sont particulièrement intéressant car on peut profiter à la fois de la lumière naturelle et artificielle.

Conclusion

Les codes de la photographie urbaine sont finalement assez intuitifs. A vous de choisir de les suivre et faire une photo réussie à coup sûr ou de passer outre et d’aller chercher l’originalité…

• Ampoule à incandescence: la feuille est jaune pâle,
• Soleil couchant: la feuille est rouge pale,
• Soleil au zénith: la feuille est blanche.

En fait ce n’est pas seulement le blanc qui est affecté mais toute la gamme de couleur de la scène. Pour contrer ce phénomène, il est primordial de prendre en compte la source de lumière: c’est là qu’intervient la balance des blancs.

La température de couleur

En physique, la couleur d’une source lumineuse est caractérisée par sa température donnée en Kelvin. Les températures les plus faibles donnent des couleurs dans les tons rouge et plus la température augmente, plus les couleurs virent au bleu.

(source image: Wikipedia)

Voici un ordre de grandeur des températures pour les sources de lumière les plus communes:

• 1000K : lueur de bougie
• 2500K : ampoule à incandescence
• 3000K : Tube halogène
• 5000K : flash de photographe
• 6000K : soleil au zénith

Le réglage

Le réglage de la balance des blancs consiste à préciser à votre boitier numérique la température de la lumière qui éclaire votre scène. Une fois cette donnée précisée, l’appareil va compenser la lumière ambiante pour faire ressortir les couleurs correctement.

Les valeurs des températures données plus haut sont uniquement données à titre informatif car les appareils numériques ont des préréglages dédiés à chaque source de lumière. Il suffit d’aller dans la section du réglage de la balance des blancs dans les menus de votre appareil photo.

Exemple: les préréglages du Nikon D40:

• Automatique
• Incandescent (ampoule classique)
• Fluorescent (Néon et ampoule basse-consommation)
• Ensoleillé
• Flash (dédié à l’utilisation du flash)
• Nuageux
• Ombre
• Mesurée (balance des blancs manuelle)

A vous d’adapter votre balance des blanc en fonction de la situation.

Le paramétrage manuel

Les valeurs préprogrammées ne sont pas toujours suffisantes. Par exemple dans le cas d’un éclairage mixte les préréglages sont complètement inopérants, il est alors nécessaire de faire une balance des blancs manuelle.

Pour cela, il faut une référence de blanc pour que l’appareil détermine la température de la lumière. Il existe des mires prévues pour ça mais une simple feuille de papier blanche suffit.

La marche à suivre est la suivante:

• Réglez votre appareil en balance des blancs manuelle
• Placez votre référence (feuille blanche) dans la scène à la place de votre sujet
• Cadrez la feuille pour quelle occupe tout le viseur
• Prenez une photo dans les mêmes conditions que pour la photo finale
• L’appareil analyse ce cliché et vous pourrez ensuite prendre la photo final (en enlevant la feuille de papier)

Exemple:

Avec une balance des blancs automatique et un éclairage artificiel les couleurs se décalent vers le rouge et le ton global de l’image est jaune/orangé (photo de gauche). En mesurant la balance des blancs (photo de droite) les couleurs sont mieux respectées.

Cet exemple montre une utilisation intéressante de la balance des blancs: en trichant, on peut donner un ton particulier à l’image. La photo de gauche est moins fidèles que celle de droite mais elle à un ton globalement plus chaud, ce qui donne une atmosphère plus chaude à l’image. Le choix de la balance des blancs peut donc également être influencée par le message doit véhiculer la photo (en laissant de côté la fidélité des couleurs).

Conclusion

La balance des blancs est une notion peu connue des débutant mais qui n’est pas si complexe à comprendre.

La maitrise des couleurs en photographie numérique commence par la balance des blancs. Ce paramètre peut véritablement faire la différence entre un cliché raté et une réussite. En plus, ce réglage n’est, finalement, pas si compliqué à réaliser alors ce serait bête de passer à côté…

La taille d’une image

Lorsque l’on regarde les documentations des appareils photo numérique (APN), la taille du capteur est très souvent mise en avant. Cette valeur, donnée en mégapixels (Mpix), correspond au produit de la largeur par la hauteur de la photo de plus grande taille que peut réaliser l’appareil.

Exemple: un capteur de 6Mpix peut faire des photos de 3000 pixels de large sur 2000 pixels de haut (3000 x 2000 = 6 Millions). Le schéma suivant donne un ordre de grandeur des photos en fonction de la résolution du capteur:

Attention cependant: une grande photo n’est pas synonyme de qualité. La taille du capteur est souvent un argument commercial, la qualité d’un appareil dépends de l’ensemble de ses composants (optiques, capteur, électronique). Ne vous laissez pas avoir par les chiffres des constructeurs.

La notion de dpi

La résolution en numérique correspond au nombre de pixel d’une photo par unité de longueur. L’unité de mesure est le dpi (dot per inch = point par pouce).

La résolution c’est donc la densité de point sur un tirage. Plus cette densité est grande, plus les détails seront fins.

Exemple: Si les deux carrés sur le schéma ci-dessous mesurent un pouce de côté: On a une résolution de 5dpi à gauche et 10dpi à droite.

Le carré de droite à une résolution deux fois plus grande que celui de gauche. Sa définition est meilleure et le résultat à l’impression sera donc plus précis.

Déterminer la taille d’une image

Quel est le lien entre la taille d’une photo et sa résolution ?

La résolution donne donc un indice concret pour assurer la qualité d’un tirage (même s’il y a bien sûr d’autres paramètres qui entrent en jeux). Il faut donc déterminer si l’image numérique que l’on veut imprimer à une taille suffisante pour être de bonne qualité sur le tirage papier.

Pour un tirage photo standard, une résolution de 200 dpi est suffisante mais vous pouvez aller jusqu’à 300dpi. On peut donc déterminer la taille minimale de l’image numérique en transformant la relation vue plus haut.

( 1 pouce = 2.54 cm)

Voici les dimensions que l’on obtient:

• Avec une résolution de 200 dpi

• Avec une résolution de 300 dpi

Ces tableaux montrent deux choses:

• Tous les appareils photo permettent des tirages au format 10×15.
• La course aux pixels auquel se livrent les fabricants d’appareils se sert pas à grand-chose quand on voit qu’un appareil 4 Mpix permet de faire des tirages A4.

Conclusion

La résolution est une condition nécessaire de la qualité d’un tirage papier.

La résolution est une aide lorsque l’on veut faire un tirage en grand format pour déterminer les dimensions limites du fichier numérique mais pour un tirage 10×15, il n’y a pas de question à se poser.

Darren Rowse, l’auteur, à essayé de lister les choses importantes à prendre en compte avant de prendre une photo. Cette approche est assez intelligente car on passe vraiment à coté des défauts facilement évitables.

Voici donc les 40 questions à se poser avant d’appuyer sur le déclencheur:

1. Quel mode je vais utiliser ? Manuel, priorité ouverture, vitesse ou mode scène pré-programmé ?
2. Selon le mode que j’utilise, quelle vitesse et quel ouverture je vais choisir ?
3. Quel format je vais utiliser ? JPG ou RAW ?
4. Quelle sensibilité ISO choisir ? Est-ce en accord avec le temps de pose ?
5. Comment sera le grain sur la photo (ISO trop fort) ?
6. Quelle balance des blanc vais-je utiliser ?
7. Dois-je faire une balance des blancs manuelle (mesurée) ?
8. Ai-je une référence pour la balance des blancs (carton blanc ou gris 18%) ?
9. Quel mode de mesure dois-je choisir (spot, matriciel, central,…) ?
10. Quel réglage de couleur vais-je choisir ?
11. Vais-je faire une mise point manuelle ou avec l’autofocus ?
12. Dois-je utiliser le bracketing pour ce cliché (plusieurs photos avec des expositions différentes) ?
13. Vais-je utiliser le flash ? Comment je vais l’utiliser ?
14. Quel histoire je veux raconter ?
15. Dois-je changer d’objectif ?
16. Si oui, lequel ?
17. Portrait ou paysage ?
18. Ai-je besoin d’un trépied ?
19. Vais-je utiliser la règle des tiers ?
20. Quel autre règle dois-je suivre ?
21. Quelles sont les lignes directrices de l’image ?
22. Lesquelles sont exploitables ?
23. Pourquoi ne pas trouver une ligne en S pour composer l’image ?
24. Y a-t-il des éléments qui pourraient habiller ou encadrer l’image (des branches d’arbre par exemple) ?
25. Vais transformer ma photo en noir et blanc, en sépia ou autre à la retouche ?
26. Ai-je un objet pour faire la mise au point ?
27. Mon sujet est-il statique ou en mouvement ?
28. Pour les sujets mobiles, vais-je utiliser le flou ? Si oui, un flou sur l’arrière-plan ou sur le sujet ?
29. Y a-t-il un phénomène de répétition que je peux faire ressortir ?
30. D’où viens la lumière ? Les ombres sont-elles dures ou douces ?
31. Comment vais-je exploiter cette propriété ?
32. La lumière est-elle trop forte ?
33. Est-ce que je risque de cramer les détails ?
34. L’horizon est-il droit ?
35. Ai-je le meilleur angle ?
36. Dois-je attendre pour avoir une meilleure lumière ?
37. La lumière est-elle trop faible ?
38. Dois-je ouvrir le diaphragme ou réduire la vitesse ?
39. La mise au point est-elle correcte ?
40. Suis-je passé à côté d’un grand cliché ?

C’est un peu dans le désordre et il en reste encore beaucoup d’autre à se poser mais si vous faites tous ça à chaque fois, votre photothèque gagnera rapidement en qualité…

• Voir l’article source.

Définir le but

Le point de départ d’un montage photo est la question : qu’est-ce que je veux obtenir ? Si vous ne savez pas répondre à cette question, ce n’est pas la peine d’aller plus loin.

Pour la préparation, il peut être intéressant de faire un schéma rapide du résultat souhaité. Le dessin peut être une façon de construire l’image, de préparer la prise de vue. Si le montage est complexe, vous pouvez aussi faire des photos d’essais, chercher des images sur le web, chercher des textures,…

La méthode

Une fois le but en tête, il faut voir comment y arriver.

Pour cette étape, il n’y a pas de secret, il faut connaitre un logiciel de retouche. Pour trouver des infos, la meilleure solution est d’aller faire un tour sur le web: vous pourrez trouver des tutoriels un peu partout et en dernier recours, vous pouvez toujours poster votre demande sur un forum de graphisme.

Souvent, il y a plusieurs façons d’obtenir le même résultat, il faut donc déterminer la méthode la plus simple pour vous.

Exemple:

Ce montage est le résultat de l’assemblage de deux photos mais il y a plusieurs façon de faire:

• Une photo du personnage sur un fond quelconque et une photo du fond seul. Pour le montage, il faut détourer le personnage et le coller sur le fond.

• Une photo du personnage devant le fond et une photo du fond prise dans les même conditions. Pour le montage, il suffit de superposer les deux photos puis de gommer le ventre du personnage.

La première solution est plus complexe d’un point de vue montage (le détourage est plutôt fastidieux) mais plus simple au niveau prise de vue. C’est l’inverse pour la deuxième solution.

Personnellement, j’ai choisi la seconde car je préfère passer plus de temps sur la prise de vue mais c’est un point de vue de photographe, un graphiste préfèrera surement l’autre.

La Prise de vue

Une fois que vous savez où aller, il est temps de passer à la photo en elle-même.

Pour faire un montage, il faut avoir un cliché le plus « propre » possible:

• Résolution maximum de l’appareil,
• Format JPEG le moins compressé ou RAW si possible,
• ISO bas pour limiter le bruit,
• Soignez la mise au point pour avoir la netteté la plus haute possible.

Faites attention à la balance des blanc, même si elle peut être corrigée à la retouche, c’est toujours plus simple de le faire lors de la prise de vue.

Le système d’encodage des images numérique fait qu’il y a plus d’informations stockées pour les tons clairs que pour les tons sombres. Préférez donc une une légère surexposition car elle peut être rattrapée alors qu’une sous-exposition ne le pourra pas.

Enfin évitez les effets de l’appareil qui sont souvent destructifs (perte de qualité): noir et blanc, renforcement des contrastes, de la saturation… Ces réglages seront plus faciles à maitriser pendant la retouche.

Le montage

Arrive le moment fatidique du montage.

Le format de fichier

Tout comme la prise de vue, il est important de travailler avec un format de fichier qui provoque le moins de perte de qualité possible. Le mieux est d’utiliser le format de fichier natif du logiciel utilisé (psd pour Photoshop, xcf pour Gimp,…). En utilisant ce type de format, vous conservez tout votre travail avec tous les calques, les courbes, la transparence, les masques,… C’est l’idéal pour enregistrer un projet et y revenir plus tard.

Une fois que vous en avez fini avec vos modifications vous pourrez convertir votre fichier de travail (psd, xcf,…) en fichier d’échange (jpg, bmp, png, gif,…). La conversion doit absolument être la dernière étape car les formats d’échange standard (type jpg) sont des formats compressés donc avec une perte de qualité.

Sauvegardez souvent

Pour toute vos modifications, pensez à travailler sur une copie de la photo originale: en dernier recourt, vous pourrez toujours repartir à zéro du fichier original.

De même lorsque vous travaillez sur un calque, n’hésitez pas à le dupliquer pour en avoir une sauvegarde sous la main au cas où… Pensez à renommer systématiquement les calques pour ne pas vous perdre.

Note: Gimp reste un logiciel libre et il peut avoir des petit problèmes de stabilité donc pensez à sauvegarder fréquemment.

Un peu de finesse !

Attentions aux réglages extrêmes ! Ne vous laissez pas entrainer par les modifications abusives, une retouche subtile est toujours plus intéressante. Ayez toujours sous la main la photo originale et vérifiez que vos retouches ne l’ont pas trop dénaturé. Dans l’ensemble, il faut mieux appliquer deux fois un effet léger plutôt qu’un effet lourd.

Lorsque vous avez fini, ne vous débarrassez pas tout de suite de vos fichiers de travail. Vous pourriez avoir des surprises en revoyant le résultat quelques jours plus tard… il vous sera facile alors de retravailler ce qui ne va pas.

Conclusion

Beaucoup de conseils énoncés ici sont évidents mais il est important de toujours les garder en tête. La photo manipulation se prépare et est très éloignée d’une photo prise sur le vif: cela demande de la préparation et un peu de méthode…

Si vous avez d’autres conseils, n’hésitez pas à en parler dans les commentaires.

Il est absolument fondamental de comprendre le principe de fonctionnement de ces deux paramètres pour faire de la photo.

Sommaire

Cet article fait partie d’une série de trois:

1. Ouverture et temps de pose (1/3): l’exposition
2. Ouverture et temps de pose (2/3): influences sur le rendu
3. Ouverture et temps de pose (3/3): les modes P, S, A et M (cet article)

Dans cette dernière partie, nous allons voir comment déterminer le couple temps de pose/ouverture en utilisant les modes scènes.

Les modes scènes

Les modes scènes vont permettre un réglage plus ou moins automatisé qui s’adapte à la scène photographiée. Sur la plupart des appareils, ils sont accessibles directement depuis une molette.

Il existe tout un tas de mode automatiques (portrait, paysage, sport, macro, enfant, nuit,…) qui varient d’un constructeur à l’autre voire même d’un modèle à l’autre. Ils sont plutôt intuitif (le mode portrait sert pour… les portraits!) et facile à utiliser. Pour savoir concrètement comment agissent ces modes, je vous renvoie vers le mode d’emploi du boitier qui vous donnera tous les détails. Le mode portrait par exemple va favoriser une grande ouverture et va régler les couleurs pour avoir une teinte de peau adoucie.

Dans cet article, nous allons plutôt nous intéresser aux modes « semi-automatique »: P, S, A et M.

Le mode P: Programme

Le mode P est un mode d’exposition automatique: Il calcule seul le couple de paramètres ouverture et temps de pose.

Ce mode automatise uniquement l’exposition: les autres paramètres sont personnalisables:

• balance des blancs,
• choix de l’utilisation ou non du flash,
• ISO,
• collimateur de mise au point,
• noir et blanc, sépia,…

C’est un bon outil pour les débutants car ça permet de se concentrer sur des effets particuliers sans se préoccuper de l’exposition. Pour le photographe confirmé, c’est également un outil pratique car il permet d’être très réactif sur le terrain. En plus la personnalisation est importante car beaucoup de paramètres de l’appareil restent accessibles.

Ce mode est un bon compromis entre le mode automatique (auto) et le mode manuel (M). C’est une bonne solution quand on ne sait pas trop comment appréhender une scène. De plus les résultats sont bons en général.

Le mode S (ou Tv): priorité vitesse

Le mode S permet de donner la priorité à la vitesse: avec la molette de réglage, vous choisissez le temps de pose et le calculateur de l’appareil détermine l’ouverture idéale.

Tout comme le mode programme, ce mode ne gère que l’exposition, les autres paramètres sont personnalisables.

Ce mode va principalement servir à la photo du mouvement:

• La photo de sport demande un temps de pause très court pour avoir une netteté impeccable.

• Pour faire ressortir la vitesse d’un véhicule.

Le mode A (ou Av): priorité ouverture

Le mode A permet de donner la priorité à l’ouverture du diaphragme: vous choisissez l’ouverture et l’appareil détermine le temps de pose.

Tout comme le mode programme, ce mode ne gère que l’exposition, les autres paramètres sont personnalisables.

L’ouverture influence la profondeur de champs. D’un point de vue technique cette notion est relativement simple à comprendre, mais il n’est pas forcement simple de l’appliquer sur le terrain.

Une grande ouverture permet d’avoir une zone de netteté très faible. La principale utilisation de ce principe est le portrait. En faisant la mise au point sur le visage, le fond apparait flou: cela permet de lisser le fond et de détacher le sujet afin de focaliser l’attention dessus.

On peut également utiliser une faible profondeur de champs pour faire ressortir la perspective en jouant sur les flous.

A l’inverse, une grande profondeur de champs permet d’avoir une grande zone de netteté sur l’image. C’est utile en photo de paysage pour avoir tous les plans de l’image net.

Le mode M: tout manuel

En mode manuel, c’est à l’utilisateur de régler le temps de pose ET l’ouverture. Ce mode demande donc une bonne maitrise de la photo et de l’appareil.

Pour régler l’exposition en mode manuel, il y a deux solutions:

• Utiliser un mode à priorité ou automatique pour faire une mesure et relever les valeurs de l’exposition.
• Régler un des deux paramètres et faire varier le deuxième en gardant un œil sur la mesure de l’exposition.

Normalement, les autres modes permettent de s’abstenir du mode M. Ce mode s’utilise surtout pour des cas particuliers:

• Lorsque les modes automatiques ne parviennent pas à mesurer convenablement l’exposition (quand il y a plusieurs sources lumineuses ponctuelles par exemple).
• En studio, quand l’éclairage est maitrisé, le mode manuel permet d’obtenir des clichés avec une exposition constante.
• Pour des effets avec une gestion particulière de la lumière ( light painting, open flash,… )

Conclusion

En résumé:

• le mode programme (P) est rapide et accessible,
• les modes priorités (S et A ou Tv et Av) sont intéressants pour maitriser simplement la prise de vue,
• le mode manuel s’adresse à une pratique plus particulière et plus experte de la photographie.

En tout cas, n’hésitez pas à faire des tests lors de vos séances: la photo s’apprend avec la pratique. De plus, en numérique les essais sont gratuits alors profitez-en !

Ainsi se conclut la série sur le temps de pose et l’ouverture. Avec ces trois articles, j’espère que vous avez compris toutes les subtilités de ces deux paramètres essentiels. Si certaines choses vous semblent encore floues, n’hésitez pas à poser vos questions dans les commentaires.

Il est absolument fondamental de comprendre le principe de fonctionnement de ces deux paramètres pour faire de la photo.

Sommaire

Cet article fait partie d’une série de trois:

1. Ouverture et temps de pose (1/3): l’exposition
2. Ouverture et temps de pose (2/3): influences sur le rendu (cet article)
3. Ouverture et temps de pose (3/3): les modes P, S, A et M

Une fois que l’on maitrise bien la façon dont l’ouverture et le temps de pose agissent sur l’exposition, il est impératif de comprendre comment ces paramètres influencent l’aspect de la photo, c’est ce que nous allons voir dans cet article. Nous allons donc quitter le côté technique pour nous intéresser à l’aspect esthétique.

Le temps de pose

Le temps de pose (ou vitesse) est directement lié à la retranscription du mouvement:

• Un petit temps de pose permet de figer le mouvement.

• Un temps de pose long permet d’obtenir des filés et des flou de mouvements pour retranscrire la vitesse.

Plus le temps de pose est long, plus le risque de flou de bougé est grand. Le risque est d’autant plus grand que la focale est grande. Il existe une règle empirique pour déterminer la vitesse minimale pour éviter le flou de bougé: Il faut que le dénominateur de la vitesse soit supérieur à la valeur de la focale.

Exemples:

• En focale 200mm, la vitesse minimale pour éviter le flou de bougé est 1/200s.
• En focale 50mm, la vitesse minimale est 1/50s.

Cette règle fonctionne plutôt bien et permet d’avoir un ordre d’idée de la vitesse. L’autre solution pour éviter les flous de bougé est de faire le choix de la stabilisation:

• En utilisant un trépied. En complément, pour les prise de vue vraiment délicate, il peut être utile d’utiliser une télécommande (ou le retardateur) pour éviter de faire bouger l’appareil en appuyant sur le déclencheur .
• A main levée en utilisant un objectif stabilisé. Il s’agit d’un système motorisé inclus dans l’objectif qui déplace une lentille et compense les mouvements du photographe. Ce système à ses limites mais il est vraiment utile pour les prise de vue avec des grandes focales.

L’ouverture

L’ouverture du diaphragme fait varier la profondeur de champ, c’est à dire la zone de la scène où les sujets sont nets.

• La profondeur de champ est minimale (zone de netteté très faible) quand l’ouverture est maximale.
• Inversement, la profondeur de champ est grande quand l’ouverture est minimale.

Exemple: Les deux photos suivantes représentent une scène dans la même configuration. La mise au point est faite sur la balle bleue.

• Ouverture à f/5.6 (grande ouverture). La profondeur de champ est faible: la balle bleue est nette, les autres sont clairement en dehors de la zone de netteté.

• Ouverture à f/32 (faible ouverture). La profondeur de champ est grande: Les balles bleue, rose et noir sont nettes, les deux restantes sont légèrement flou.

D’un point de vue technique, les objectifs n’ont pas une qualité équivalente à toute les ouvertures.

• A faible ouverture, il peut y avoir un phénomène de diffraction qui génère des effets lumineux involontaires (trace autour des lumières vive).
• A grande ouverture, des aberrations dues aux imperfections des lentilles de l’objectif peuvent la encore générer des effets lumineux (artefacts de couleurs).

Plus l’objectif monte en gamme, moins ces phénomènes sont visibles. Dans le cas général, il est préférable d’utiliser les ouvertures moyennes d’un objectif pour les éviter.

Conclusion

Cet article conclu la base théorique sur l’ouverture et le temps de pose. Vous savez maintenant de quelle façon le réglage de chacun des paramètres vont modifier l’apparence de la photo finale.

Dans le prochain article, nous allons voir comment les modes P, S,A et M de l’appareil photo permettent de choisir facilement un couple de paramètres et de mesurer rapidement l’exposition.

Voir la suite: Ouverture et temps de pose (3/3): les modes P, S, A et M

Il est absolument fondamental de comprendre le principe de fonctionnement de ces deux paramètres pour faire de la photo.

Sommaire

Cet article fait partie d’une série de trois:

1. Ouverture et temps de pose (1/3): l’exposition (cet article)
2. Ouverture et temps de pose (2/3): influences sur le rendu
3. Ouverture et temps de pose (3/3): les modes P, S, A et M

Dans cette première partie, nous allons voir comment sont définis ces deux paramètres et quelles valeurs ils peuvent prendre dans le but de régler l’exposition d’un cliché.

Principe

En photographie, l’image est d’autant plus lumineuse que:

• le temps de pose est long
• l’ouverture du diaphragme est grande

Une exposition est correcte lorsque le couple ouverture/diaphragme est idéal.

Le temps de pose

Le temps de pose (ou durée d’exposition) correspond au temps qui s’écoule entre l’ouverture et la fermeture de l’obturateur. Son influence est facile à comprendre : plus ce temps est long, plus la quantité lumière qui entre dans le boitier de l’appareil est importante. La luminosité est donc proportionnelle au temps de pose.

Le temps de pose est mesuré en fraction de secondes et ses valeurs sont normalisées:

Ces valeurs sont les valeurs approchées d’une suite géométrique de raison 1/2. Ainsi, lorsque vous faites varier le temps de pose d’une graduation, vous faites varier la luminosité dans un rapport de deux.

Exemple: en passant d’un temps de pose de 1/30s à 1/60s, la luminosité est divisée par deux.

Note: Les reflex numériques proposent souvent d’autres valeurs de vitesses. On trouve notamment des valeurs intermédiaires dans les hautes vitesses pour un réglage plus fin.

L’ouverture du diaphragme

L’ouverture va déterminer la quantité de lumière qui va entrer dans le boitier de l’appareil. Plus l’ouverture est grande, plus la quantité de lumière est grande et plus la photo est lumineuse.

La valeur de l’ouverture est donnée par le rapport entre la distance focale et le diamètre du diaphragme. Ces valeurs sont elles aussi normalisées:

Ces valeurs sont les valeurs approchées d’une suite géométrique de raison 1/. Ce rapport s’explique parce que la quantité de lumière qui entre dans le boitier de l’appareil est proportionnelle à la surface de l’ouverture du diaphragme. Lorsque l’on multiplie le diamètre du diaphragme par , on multiplie sa surface par 2.

Résultat: De même que pour la vitesse, lorsque vous faites varier la valeur de l’ouverture d’une graduation, vous divisez (ou multipliez) la luminosité par 2.

Attention: il faut bien faire la distinction entre l’ouverture et sa valeur: Lorsque que l’on parle de grande ouverture, on fait référence à une valeur faible et inversement. f/1 correspond donc à une grande ouverture et f/22 à une petite.

(source de l’image Wikipédia)

Lien entre les deux

Pour une scène donnée, le couple ouverture/vitesse n’est pas unique. En utilisant les valeurs normalisées de ce deux paramètres, il est facile de trouver tous les couples lorsque l’on en a un: lorsque vous augmentez l’ouverture d’une graduation, il suffit de compenser en diminuant la vitesse d’une graduation.

Exemple: Les couples vitesse/ouverture suivant donneront la même exposition:

• Ouverture: f/5.6; Vitesse: 1/60s
• Ouverture: f/4; Vitesse: 1/125s
• Ouverture: f/2.8; Vitesse: 1/250s

A vous de faire votre choix entre ces trois couples pour réaliser votre cliché car, bien que l’exposition soit identique, les trois photos seront différentes.

Conclusion

Cet article est très théorique mais il regroupe des notions importante pour la manipulation d’un appareil photo. L’ouverture et le temps de pose se maitrisent assez bien mais on ne sait pas toujours d’où viennent les valeurs que l’on utilise.

Dans le prochain article, nous verrons quel est l’influence de l’ouverture et du temps de pose sur le rendu de l’image.

Voir la suite: Ouverture et temps de pose (2/3): influences sur le rendu

Voici l’image que nous allons utiliser pour cet exercice :

La désaturation classique

Avant de voir une méthode plus poussée pour faire du noir et blanc, nous allons aborder la méthode base. Dans Gimp, pour passer en noir et blanc, vous pouvez utiliser l’option désaturer: menu « couleurs » -> « désaturer ».

Cette option propose trois options : « clarté », « luminosité » ou « moyenne » qui vont donner trois résultats différents.

Voici ce que l’on obtient avec l’image de l’exemple :

désaturation en mode « clarté »

désaturation en mode « luminosité »

désaturation en mode « moyenne »

On remarque des différences très légères entre les photos notamment au niveau des contrastes. L’option « désaturer » à l’avantage d’être rapide à faire, mais trois options c’est un peu juste comme choix.

La méthode suivante permet d’augmenter considérablement les possibilités de personnalisation de l’effet noir et blanc en utilisant le mixage des canaux.

Les canaux

Une couleur, en numérique, est obtenue par le mélange de trois couleurs: du rouge, du vert et du bleu. En mélangeant ces trois couleurs dans des proportions différentes, on obtient toute les couleurs possibles.

Une photo numérique couleur est composée de trois canaux : un rouge, un vert et un bleu. Ils représentent, sous forme d’images en niveaux de gris, les proportions de rouge, de vert et de bleu.

L’image ci-dessous montre la décomposition des couleurs de base:

Par exemple pour un pixel rouge sur l’image source (3), le canal rouge sera blanc alors que les deux autres seront noirs.

Si vous avez compris le principe, cet autre exemple montre la décomposition d’un dégradé:

De même le rouge (aux extrémités gauche et droite de l’image source) se décompose en blanc sur le canal rouge et en noir sur les autres. Les couleurs intermédiaires se décomposent en niveaux de gris.

Décomposition en canaux

Voyons voir ce que ça donne concrètement pour la photo de l’exemple: Pour cela, repartez de la photo en couleur (celle de départ, pas celle en noir et blanc obtenue par désaturation) puis menu « couleur » -> « composants » -> « décomposer » dans la fenêtre, choisissez « RVB » comme modèle colorimétrique et cochez « Décomposer en calques » puis validez.

Un nouveau fichier s’ouvre avec trois calques en niveaux de gris qui représentent les trois canaux de l’image. Pour notre image, les trois canaux ressemblent à ça:

Canal rouge

Canal vert

Canal bleu

Pour la suite, nous allons mélanger les trois canaux pour obtenir un noir et blanc complètement contrôlé.

Mixage des canaux

Revenez sur l’image de départ (en couleur), vous pouvez laisser de côté le projet avec les trois calques issus de la décomposition.

Lancer le mixeur de canaux: menu « couleurs » -> « Composants » -> « mixeur de canaux ».

Dans la fenêtre, cochez les cases « monochrome » et « Préserver la luminosité ».

C’est avec cette fenêtre que tout se fait. Avec les trois jauges (rouge, vert, bleu) vous pouvez changer la proportion de chaque canal dans le noir et blanc final.

Notes:

• vous pouvez augmenter la taille de la fenêtre du mixeur de canaux pour avoir un aperçu plus grand.
• si vous ne cochez pas la case « préserver la luminosité », vous devrez faire attention à ce que la somme des trois canaux fasse 100.

L’étape précédente (la décomposition) est facultative car le fichier avec les trois calques ne nous servira pas. Néanmoins, cela permet de voir les caractéristiques de chaque canal. Par exemple, dans le nôtre cas, le canal bleu est le plus contrasté, le rouge est le plus lumineux et le vert est le plus doux, il faut garder ces caractéristiques à l’esprit pour le mixage.

Voici ce que l’on peut obtenir avec cette méthode (rouge: 0, vert: 75, bleu: 25) :

Conclusion

Nous venons de voir qu’il existe plusieurs façon de faire du noir et blanc (il en existe encore bien d’autres) mais toutes n’offrent pas les mêmes possibilités.

Pour finir, le noir et blanc n’est pas un effet anodin. Cet article n’aborde que le côté technique de la chose (et pas complètement en plus) mais il faut aussi le voir comme un outil artistique. Une photo en N&B se pense et se construit en N&B. Au même titre que l’on joue sur les couleurs, il faut jouer sur les ombres mais ça c’est un autre problème…