Le jargon de la photographie est très riche et ce n’est pas toujours facile de s’y retrouver… Sur 1point2vue, il y a un lexique de la photo depuis un moment mais aujourd’hui, on va s’attarder un peu plus longuement sur deux termes très couramment utilisés: cramer et boucher. Alors qu’est ce que cela veut dire ?

Retour sur l’exposition

Les deux termes cramer et boucher sont liés à l’exposition de la photo. On l’a déjà vu, l’exposition correspond à la quantité de lumière que reçoit le capteur (ou le film) de l’appareil. Quand l’image est trop claire, on parle de sur-exposition et quand elle est trop sombre, de sous-exposition.

Une zone de l’image est dite « cramée » quand la lumière est localement trop forte. Cette zone de l’image ne contient aucune information tonale: tous les pixels sont blancs. A l’inverse, une zone de l’image est « bouchée » quand le capteur n’a pas reçu assez de lumière: tous les pixels sont noirs.

Exemple de zone cramée: le coeur des feux d’artifices n’a plus de détails

D’où ça vient ? Comme ce problème vient de l’exposition, c’est la lumière qu’il faut mettre en cause. Une photo peut être bouchée ou cramée pour deux raisons:

1. Le choix de l’exposition est mauvais: les choix d’ouverture/vitesse/temps de pose n’est pas le bon.
2. Le contraste de la scène est trop grand. C’est à dire que l’écart entre les hautes et les basses lumières est trop grand. Par exemple, en plein soleil, la lumière est forte et les ombres sont très marquées.

Quelles solutions ?

Dans le premier cas, la solution est simple: changer de réglage ! Je ne vais pas revenir sur ça, j’ai déjà longuement parlé de l’influence de la vitesse, du temps de pose et de la sensibilité sur l’exposition.

Quand le problème vient de l’éclairage même de la scène, c’est un peu plus compliqué pour s’en sortir… Si l’écart entre haute et basse lumière est trop grand, c’est que la dynamique de l’appareil n’est pas suffisante. Il est possible de l’élargir avec du HDR. C’est un peu lourd à gérer et le résultat n’est pas toujours au top mais c’est une solution.

La solution ultime est de laisser faire ! Si c’est gênant de cramer ou boucher une zone de l’image (voir plus bas), ce n’est pas forcément synonyme de photo ratée. Tant pis si certaines parties de l’image ne contiennent pas d’informations si le résultat visuel est sympa !

Le contre-jour est le meilleur exemple de photo ou des zones sont complètement bouchées. Pourtant, nous avons déjà vu qu’il était possible d’exploiter le contre jour.

En quoi c’est un problème ?

Le gros défaut d’une zone cramée ou bouchée est que ça génère un aplat sur l’image qui ne contient aucune nuance de couleur (tout blanc ou tout noir). Ca peut complètement bloquer la lecture de l’image en créant une masse qui déséquilibre la composition.

En plus une zone bouchée ou cramée ne sera pas rattrapable en retouche. En effet, les zones concernées ne contiennent aucune information tonale. En aucun cas la retouche n’ajoute des informations: au mieux elle les ré-interprète, au pire elle en perd.

Donc si une zone est complètement noire (bouchée), vous pourrez toujours augmenter la luminosité, les couleurs ne ré-apparaîtront pas.

Exemple: L’arrière plan est cramé sur la photo ci-dessous. Si on essaye de réduire la luminosité (même de façon poussée), on ne retrouvera pas les détails de l’extérieur.

Tentative de retouche d’un arrière plan cramé… raté

Bilan

Finalement, il n’y a pas grand chose de sorcier dans cet article de vocabulaire ! C’était surtout l’occasion de remettre une couche sur l’exposition et l’importance de l’équilibre de la lumière.

Gardez en tête que cramer ou boucher n’est pas forcément grave mais qu’il faut faire attention car ces zones ne seront pas rattrapables en retouche.

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En fin de journée ou la nuit, en intérieur,… les situations où la lumière est faible sont nombreuses. Vous le savez, prendre des photos quand l’ambiance est sombre est très complexe. Voici quelques pistes pour réussir ses photos par faible lumière.

Capter plus de lumière

Quand la lumière est faible, il faut en capter le maximum en jouant avec les paramètres de l’exposition. Utilisez un objectif à grande ouverture ( au moins f/2.8) et utilisez la plus grande ouverture possible. Les objectifs standards (vendus en kit) descendent rarement en dessous de 3.5. Pour avoir un objectif à grande ouverture et à bon prix, tournez-vous vers les focales fixes (35mm, 50mm ou 85mm par exemple) qui restent abordables, tout en étant très performants.

Ouverture F/1.4, pose 1/50s, sensibilité 400ISO

Pour le temps de pose, choisissez le plus court possible pour éviter le flou de mouvement. Pensez à utiliser la règle de la vitesse de sécurité (vitesse inférieure à l’inverse de la focale) qui marche dans la plupart des cas. Si le sujet est statique, l’idéal est d’utiliser un trepied pour augmenter le temps de pose sans risque de flou.

La sensibilité va permettre aussi de gagner en luminosité. Attention tout de même à l’augmentation du bruit qui accompagne l’augmentation de la sensibilité. Ce défaut dépend directement de la qualité du capteur de votre appareil, faites des tests à différentes sensibilités pour en voir l’impact. Dans la plupart des cas, il est quand même déconseillé de dépasser 800ISO.

Temps de pose de 1.3s avec l’utilisation d’un trépied

Ajouter de la lumière

Et bien oui, si il n’y a pas assez de lumière, il faut en ajouter !

La première solution est d’utiliser le flash. Faites attention à la portée car au delà de 3m, le flash n’a plus beaucoup d’influence (en fonction de votre matériel). Là encore, faites des tests avec votre materiel pour vérifier la portée de votre flash. Idéalement, faites ces tests en avance pour être prêt au bon moment.

La deuxième solution est d’utiliser l’éclairage ambiant. En effet, en vous déplaçant ou en déplaçant votre sujet, vous pourrez peut être gagner un peu de lumière. Arrangez-vous pour optimiser l’éclairage ambiant afin qu’il vous serve le mieux possible.

Exploiter la situation

Si la lumière ambiante n’est vraiment pas suffisante, vous pouvez exploiter le coté sombre de la pièce dans un but artistique. Le low key va dans ce sens, essayez d’exploiter cette pratique.

Une sous-exposition pour exploiter la faible lumière

Rattraper à la retouche

La retouche photo est plutôt délicate dans le cas d’une faible luminosité. En effet, en augmentant la luminosité en post-prod, vous risquez d’augmenter très largement le bruit (d’autant plus si votre appareil n’est pas le top de la qualité). La retouche est donc à éviter ou à utiliser avec beaucoup de modération.

Une fois encore, c’est le RAW qui s’en sort le mieux dans ce cas. En shootant en RAW, vous pourrez plus pousser le curseur de la luminosité qu’avec un JPG. Ne vous attendez pas à des miracles non plus car le manque de lumière est difficilement rattrapable.

Bilan

La photo dans un lieu sombre est complexe car la lumière est la matière première du photographe. Il n’y a pas beaucoup d’alternatives: exploiter le peu de lumière qu’il y a ou essayer d’en ajouter. Quand à la retouche photo, l’augmentation de la luminosité n’est pas son point fort.

Le meilleur conseil a retenir est d’expérimenter votre matériel dans des conditions de faible luminosité. Quelle est la sensibilité max que vous pouvez utiliser sans avoir trop de bruit ? Quelle vitesse max va générer du flou ? Quelle est la portée du flash ? En connaissant bien votre matériel, vous en connaîtrez les limites et saurez réagir rapidement quand les conditions de lumière ne seront pas en votre faveur.

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Pas forcément facile de savoir par où commencer quand on débute dans un domaine. Heureusement pour la photo, il y a 1point2vue ! Dans cet article un peu particulier, je vous propose de faire le tour des notions importantes qui ont déjà été abordées sur le site pour vous y retrouver.

Apprendre la technique

Avant même de commencer à mettre le nez dans la technique photo, je vous conseille de lire le guide « faire ses premier pas en photographie ». Dans ce document: pas de calcul, pas de technique mais juste des conseils simples et accessibles à tous pour attaquer la photo du bon coté.

L’exposition: Comprendre la photo demande de comprendre le principe de l’exposition: c’est à dire comment intéragissent le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité. Ces trois paramètres agissent sur la luminosité de l’image mais aussi sur la composition de l’image. Vous pourrez ainsi maîtriser la profondeur de champs, le bruit ou le flou.

Balance des blancs: La photo numérique offre des possibilités que ne permet pas l’argentique: il faut en profiter! La gestion des couleurs par exemple. Là où l’argentique est limité par le choix de telle ou telle pellicule, le numérique permet de doser la balance des blancs. L’avantage c’est qu’il est possible de respecter ou de complètement détourner la balance des blancs.

Le format RAW: Avec la pratique de la photo, l’utilisation du format RAW s’impose: une meilleure qualité et un post-traitement plus fin en sont les deux gros avantages. Par contre, il demande des contraintes supplémentaires qu’il faut comprendre et maîtriser.

Apprendre à fabriquer des images

Vous maîtrisez la technique, reste à construire votre image, à la composer. Le travail du photographe ne s’arrête pas à la technique. Comment agencer entre eux les éléments de la scène ? Lequel mettre en avant ? Quelle place lui laisser ? Comment le cadrer ?… Ce sont vos choix de composition qui détermineront la réussite de votre image.

La règle des tiers: La première chose à connaitre quand on débute en photo est la règle des tiers. Cette règle dit qu’il faut (en général) placer le sujet le plus important non pas au centre de l’image mais sur un des tiers de l’image. Bien sûr il ne s’agit que d’une indication, il faut savoir aller plus loin que l’application systématique et l’adapter en fonction de la situation.

Le sens de lecture: Une photo se lit de la même façon qu’un texte. C’est pourquoi en composant une image, il est important de prendre en compte le sens de lecture. Ce principe permet de faire des images efficaces en jouant sur le déplacement du regard au travers de l’image.

Le flou: Malheureusement, le pauvre se retrouve souvent dans la catégorie des indésirables alors qu’il peut être un outil très utile pour la création. Il existe plusieurs sortes de flou qui faut savoir diagnostiquer pour l’éviter ou l’exploiter.

Histogramme: Outil important, l’histogramme permet (a condition de savoir le lire ! ) de vérifier l’exposition d’une photo et de la corriger si nécessaire.

Zoom et cadrage: Quelle est vraiment l’influence du zoom sur l’image ? Instinctivement, on pourrait croire qu’il sert à se rapprocher du sujet. C’est en partie vrai mais pas seulement: la focale modifie l’angle de champs. Ainsi l’influence de la focale sur le cadrage est un peu plus subtile qu’un simple rapprochement.

Expérimenter

Une fois toutes ces notions acquises, le travail n’est pas fini ! Il reste à essayer des nouvelles pratiques, à expérimenter pour toujours faire évoluer votre pratique.

En vrac, je peux vous parler de photo panoramique, de camera tossing, de time lapse,… mais il faudrait des centaines d’articles comme celui-ci pour en faire le tour !

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Note: cet article fait partie d’une série sur le principe de l’exposition en photographie. Si vous avez raté le début, je vous invite à lire la première partie du dossier: L’exposition (1/4): L’ouverture et le temps de pose.

Nous avons vu en introduction dans la première partie de ce dossier que l’exposition est déterminée par trois paramètres: le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité. Dans cet article, nous allons nous intéresser à ce troisième paramètre: la sensibilité qui se caractérise sur l’appareil par le réglage des ISO.

Qu’est ce que la sensibilité ?

La sensibilité est une notion qui vient de la photographie argentique. Ce paramètre correspond à la capacité d’un film à capturer la lumière. Plus la sensibilité est élevée (grande valeur ISO) plus le film va imprimer rapidement la lumière. La sensibilité traduit ainsi la rapidité de la réaction chimique qui va se produire à sa surface. C’est donc une caractéristique qui dépend du film et pas des réglages de l’appareil photo.

En photographie numérique ce paramètre est réglable car il ne s’agit plus de la sensibilité du film mais du capteur. Par contre le principe reste exactement le même: plus l’ISO est élevé, plus le capteur pourra capter rapidement une certaine quantité de lumière.

Le réglage de la sensibilité va donc permettre de rendre le capteur plus ou moins rapide. Ce changement de vitesse de réaction va permettre de collecter plus de lumière pendant une même durée.

Influence sur l’exposition

Petit rappel:

• L’ouverture caractérise la quantité de lumière qui pénètre dans l’appareil
• Le temps de pose correspond à la durée pendant laquelle la lumière pénètre dans l’appareil

Il faut donc ajouter la sensibilité dans tout ça. Une photo est alors d’autant plus lumineuse que:

• L’ouverture est grande
• Le temps de pose est long
• La sensibilité est grande

Exemple: Voici une série de photos prises dans les mêmes conditions d’éclairage. L’ouverture est fixée à F/2.8 et on fait varier la sensibilité entre chaque photo. Le temps de pose est ajusté par l’appareil (en mode priorité ouverture) de façon à garder une exposition constante.

Pour chaque prise de vue, la vignette de gauche montre la photo dans son ensemble et celle de droite un zoom à 100% sur un détail.

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/10s – ISO 200

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/20s – ISO 400

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/40s – ISO 800

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/80s – ISO 1600

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/160s – ISO 3200

Voici ce que l’on observe:

• Quand on regarde les vignettes de gauche, on voit que la luminosité reste constante.
• Quand on multiplie par deux la sensibilité, on divise par deux le temps de pose.
• Quand la sensibilité augmente, le bruit dégrade très vite l’image. Visible dès 400 ISO, il devient vraiment gênant au delà de 800 ISO. Cette remarque est à modérer en fonction de l’appareil: plus l’appareil est haut de gamme, plus le bruit est discret.

A quoi ça sert ?

Le réglage de la sensibilité permet d’ajouter de la flexibilité aux deux autres paramètres de l’exposition (l’ouverture et le temps de pose).

Augmenter les ISO permet alors au choix:

• de réduire le temps de pose pour limité le flou de bougé,
• de réduire l’ouverture pour avoir une plus grande profondeur de champs,

A l’inverse, réduire les ISO permet au choix:

• d’augmenter le temps de pose pour avoir un effet de filé,
• d’augmenter l’ouverture pour réduire la profondeur de champs.

Conclusion

Le réglage de la sensibilité permet d’avoir un peu plus de latitude sur les autres paramètres de l’exposition. L’augmentation des ISO s’accompagne d’une augmentation du bruit numérique. En fonction des conditions de prise de vue, l’idéal est de garder une valeur d’ISO la plus faible possible afin de minimiser ce problème.

Ainsi se conclut la série d’articles sur l’exposition. Avec ces quatre articles, j’espère que vous avez compris toutes les subtilités de cette notion essentielle. Si certaines choses vous semblent encore floues, n’hésitez pas à poser vos questions, les commentaires sont là pour ça.

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Le bruit numérique apparaît sur les photos numériques lorsque l’on augmente la sensibilité ISO. Quand les conditions d’éclairage ne permettent pas de conserver un réglage d’ISO faible, il faut trouver des astuces pour réduire le bruit en post-traitement.

Digital Camera Enhancer est un logiciel gratuit qui va vous permettre de réduire le bruit sur vos images. Il est tres simple d’utilisation: après téléchargement, il vous suffit de charger une image, de jouer avec les curseurs et enfin d’enregistrer le résultat.

Pour tester ce logiciel, j’ai volontairement utilisé une photo très fortement bruitée (photo prise à 3200 ISO ).

Et voici le résultat obtenu avec les réglages par défaut:

On remarque une petite perte de détails, ce qui est normal car enlever du bruit revient à ajouter un peu de flou. Finalement, le résultat n’est pas si mal.

Les couleurs sont un peu réchauffées, ce qui n’est pas vraiment un problème car le logiciel propose une option pour régler la balance des blancs.

La photo de l’exemple est fortement bruitée et agrandie à 100% (pas de zoom). Sur une photo de plus grande dimension et moins affectée par le bruit, le résultat est bien plus satisfaisant. Un logiciel qui n’est pas indispensable mais qui est quand même à garder sous le coude.

• Télécharger Digital Camera Enhancer sur 01.net

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Le bruit numérique est un parasite qui vient du capteur de l’appareil photo. Lorsqu’il est exposé à la lumière, le capteur convertit les impulsions lumineuses en données informatiques (les pixels).

Or le monde physique qui nous entoure n’est pas parfait: la lumière n’est pas aussi constante qu’il y parait. En effet, il existe des infimes fluctuations de la lumière. Elles sont invisibles pour l’oeil humain mais pas pour le capteur de l’appareil. Ce sont ces fluctuations qui vont générer le bruit.

La sensibilité

La sensibilité ISO de l’appareil va énormément influencer sur la quantité de bruit à l’image. En effet, plus le capteur est sensible à la lumière, plus l’appareil va pouvoir capter des infimes quantités de lumière parasites.

Voici deux exemples à 200 et 3200 ISO (l’image est recadrée pour avoir un rapport de zoom de 100%).

Influence du capteur

Il faut noter qu’à sensibilité égale, tous les capteurs ne se valent pas. Les appareils haut de gamme sont capables de clichés de grande qualité même à des sensibilités élevées. Dans la mesure du possible, il est quand même préférable de travailler à ISO faible.

Le problème de la gestion du bruit par l’appareil est rarement donnée dans les spécifications des constructeurs, c’est pourtant une donnée essentielle de la qualité d’une image. Pour trouver l’appareil qui genere le moins de bruit, il faut se tourner vers les essais produits que vous pourrez trouver sur le net (a voir aussi les guides de la Fnac qui proposent des tests serieux).

Correction du bruit

Il est possible de corriger le bruit numérique avec des logiciels dédiés (Digital Camera Enhancer par exemple). Le principe de l’atténuation du bruit est de flouter les zones très bruitées pour lisser le grain. A moins d’être très légère, la correction doit donc être évitée autant que possible.

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Dans ce tutoriel, nous allons voir comment augmenter artificiellement la netteté d’une photo pendant la phase de retouche. Pour cette opération, nous allons utiliser Gimp et les modes d’incrustation des claques.

Qu’est-ce que la netteté ?

La netteté est liée au contraste: plus la netteté est grande, plus le contraste est grand. Cependant, pour augmenter la netteté, augmenter le contraste ne suffit pas. Il faut augmenter le contraste local, c’est à dire uniquement dans les zones de transition de l’image.

Exemple: Voici la photo que nous allons utiliser pour ce tutoriel:

Et voici ce que l’on va obtenir:

Pour le tutoriel, la netteté a été exagérée pour être bien visible. Dans le cadre d’une retouche photo, il faudra utiliser des réglages plus fins.

Manipulation

Ouvrez la photo avec Gimp et dupliquez deux fois le calque « arrière-plan » avec le bouton de duplication en bas de la fenêtre des calques.

Vous avez alors trois calques identiques.

Sélectionnez le calque au sommet de la pile (le plus haut) plus floutez-le: menu « filtres » -> « flou » -> « flou Gaussien ». Choisissez une valeur de flou de 10 pixels puis validez.

La valeur du flou que vous allez rentrer ici conditionnera le résultat: plus le flou est grand à cette étape, plus la netteté sera importante à la fin. Pour le tuto, la valeur est volontairement élevée pour que l’effet soit bien visible.

Vous devez obtenir ceci:

Passez alors ce calque (toujours celui en haut de la pile) en mode « extraction de grain ».

Vous obtenez alors ceci:

Fusionnez ce calque avec celui d’en dessous: clic droit sur le calque au sommet de la pile de claque et choisissez « fusionnez vers le bas ». Le calque ainsi obtenu correspond à ce que l’on appelle un « passe-haut », il contient toutes les zones de l’image où le contraste local est fort.

Passez alors le calque obtenu en mode « fusion de grain ».

Vous arrivez alors au résultat final:

Réglage de l’effet

Il y a deux paramètres qui vont permettre d’influencer le rendu de cet effet:

• La valeur du flou gaussien que l’on applique au début: plus le flou est important, plus la netteté sera grande.
• L’opacité du calque « passe-haut » (le calque à dominantes grises): plus l’opacité est faible, plus l’effet sera discret.

Cet effet dépend beaucoup de la taille de l’image. Avec les mêmes réglages, le résultat ne sera pas le même si vous travailler si une grande ou une petite image. Dans ce tutoriel, la photo est de faible résolution (500 pixels de large) donc l’effet est particulièrement visible.

Conclusion

L’augmentation de la netteté est très délicate à doser car on a tendance à trop en faire. Les défauts d’une netteté artificielle trop grande sont bien visibles dans l’exemple:

• Apparition de halos autour des zones de fort contrastes (entre le fouet et la pâte),
• Aberrations chromatiques sur ces mêmes zones,
• Augmentation du bruit.

Comme toutes les retouches photo, il faut savoir se limiter avant de trop dénaturer la photo de départ. N’hésitez pas à jeter un coup d’œil de temps en temps sur la photo originale.

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Dans ce tutoriel, nous allons voir comment modifier une photo pour lui donner un rendu « film de cinémas ». Ce n’est pas un effet très poussé mais il permet de voir l’utilisation de quelques filtres intéressants.

Voici notre image de départ:

Et voici ce que nous allons obtenir:

Une image de cinémas présente trois caractéristiques: le bruit, les couleurs et le format. Nous allons donc appliquer ces trois caractéristiques à la photo de l’exemple.

Le bruit

Il existes des filtres pour générer du bruit, nous allons utiliser le bruit RVB: menu « Filtres » ->  »Bruit » ->  »Brouillage RVB ». On choisit une valeur de bruit de 0.05 sur les trois canaux et on valide.

Les couleurs

Pour approcher le rendu cinémas, il faut augmenter les contrastes. Pour cela, on va utiliser l’outil « Niveau »: menu « Couleurs » ->  »Niveaux ».

Réglez les niveaux comme sur l’image suivante:

Le format

Le format d’un film est, au minimum avec un rapport Largeur/Hauteur de 16/9 (ce n’est pas une norme, beaucoup de film récents utilisent des formats avec une image plus aplatie).

Choisissez l’outil de sélection rectangulaire dans la boite à outils.

Avec cet outil, tracez une sélection pour déterminer le nouveau cadrage.

Recadrez l’image: menu « Image » ->  »Découper la sélection ».

Reste plus qu’à ajouter les bandes noires. On augmente la taille du canevas: menu « Image » ->  »Taille du canevas ».

Dans la fenêtre d’option, cliquez sur la chaine pour désactiver la proportion.

Augmentez la hauteur du canevas (dans l’exemple, je lui donne une valeur de 400 pixels) de façon à ce que les bandes noires soient assez larges. Puis cliquez sur « centrer » et « redimensionner ».

Pour les bandes noires, on va ajouter un nouveau calque: cliquez sur le bouton « nouveau calque » en bas de la fenêtre de calques.

Dans la fenêtre d’option du nouveau calque, choisissez « Couleur de premier plan », puis validez.

L’image devient noire, c’est normal car le calque que l’on vient de créer est au dessus. Il suffit de le déplacer en le faisant glisser sous le calque « arrière-plan ».

Et voici le résultat final:

Conclusion

Ce n’est pas très grand tutoriel et son effet est un peu limité mais il permet de voir des petites manipulations qui pourrait vous servir pour d’autre type de traitement, ou tout simplement vous donner des idées…

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La plupart des logiciels de retouches proposent une fonction « sépia » ou « vieillir » mais ces effet sont souvent très limités car très peu paramétrables. Dans ce tutoriel, nous allons voir une méthode pour vieillir une photo avec Gimp de façon détaillé. L’avantage de cette méthode c’est que toutes les étapes sont paramétrables.

Pour illustrer ce tutoriel, je vais utiliser une photo du sommet d’une vielle tour de défense.

Et nous allons obtenir ceci:

On ouvre la photo avec The Gimp. Pour commencer, on va passer la photo en noir et blanc: menu « Couleurs » -> « Désaturer » et on choisit la désaturation en mode « Luminosité » puis on valide.

Notre photo est beaucoup trop lisse pour l’instant, on va donc la salir un peu en ajoutant du bruit. Menu « Filtres » -> « Bruit » -> « Brouillage RVB ». On règle les 3 couleurs à 0.1 en choisissant « Bruit associé ».

On va maintenant jouer sur les niveaux: menu « Couleurs » -> « Niveaux ».

Pour renforcer les noirs et les blancs, on joue sur les niveaux d’entrée:

• On augmente les tons sombres (1)
• On réduit les tons clairs (2)

On réduit les contrastes en changeant les niveaux de sortie:

• On augmente les tons sombres (3)
• On réduit les tons clairs (4)

Reste plus qu’à coloriser l’image avec la un jaune pale pour rappeler la couleur du papier vieilli.

Menu « Couleurs » -> « Colorier » et choisit comme paramètres:

• Teinte à 40 (couleur jaune)
• Saturation à 30 (pour que la couleur soit plus pale)
• Luminosité à 0 (réglage par défaut)

Et voila, on obtient le résultat final:

Conclusion

Comme je le disais en introduction, toutes les étapes sont paramétrables, notamment le réglage des niveaux. Ainsi, toutes vos « vieilles » photos ne seront plus identiques.

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