Vous avez choisi un mode d’exposition automatique, vous pouvez encore agir sur la façon dont l’appareil voit les choses. Nous avons déjà vu qu’il est possible de corriger l’exposition (voir corriger l’exposition à la prise de vue ou à la retouche).

Dans cet article nous allons nous intéresser à une autre façon d’agir sur la luminosité en réglant le mode de mesure de l’exposition.

Les modes de mesure

Votre appareil est un petit objet très intelligent. Quand vous utilisez une exposition automatique ou à priorité (les modes auto, programme, priorité ouverture et priorité vitesse dont on a déjà parlé) il détermine tout seul les bons paramètres pour que votre photo soit correctement exposée. L’appareil mesure alors la luminosité de la scène et ajuste ouverture/temps de pose/ISO.

Le mode de mesure correspond à la façon dont l’appareil va analyser la répartition de la lumière dans le cadre pour déterminer l’exposition.

Il existe trois modes principaux:

• mesure matricielle (ou multizone),
• mesure pondérée centrale,
• mesure spot (ou sélective).

Les noms sont un peu barbares mais en fait, ils sont plutôt logiques.

Pour illustrer ces trois réglages, les trois photos qui suivent ont été prises dans les mêmes conditions d’éclairage en changeant uniquement le mode de mesure. La scène de l’exemple est composée d’une source de lumière au centre (une bougie) et d’un contour sombre (un fond de couleur sombre et peu éclairé).

Note: pour les trois photos de l’exemple, l’appareil est réglé en priorité ouverture avec ISO fixé, la seule variable (déterminée par l’appareil) est la vitesse.

Voici ce que ça donne:

Mesure Matricielle (ou multi-zone)

L’appareil prend en compte l’intensité de la lumière de la même façon sur la totalité du champ. C’est à dire que toutes les sources de lumière de l’image seront considérées à parts égales. En mesure multi-zone, l’exposition mesurée est une sorte de moyenne de la luminosité de l’image.

Exemple: En mesure matricielle, l’appareil équilibre les lumières. Le fond ressort plutôt lumineux mais la bougie est sur-exposée.

Mesure de l’exposition matricielle

Mesure spot

La mesure spot permet de vraiment cibler la mesure de l’exposition au centre de l’image. C’est la zone centrale de l’image qui va déterminer l’exposition. Les sources lumineuses en périphérie ne seront pas (ou peu) prises en compte.

Exemple: En mesure spot, le centre de la scène est privilégié. La bougie est alors correctement exposée et le fond reste sombre.

Mesure de l’exposition spot

Mesure pondérée centrale

La mesure pondérée centrale est une sorte de mélange des deux autres. L’exposition est mesurée sur toute l’image mais les zones proches du centre auront plus de poids. De cette façon la partie de centrale de l’image sera correctement exposée mais le contour sera également pris en compte dans la mesure.

Exemple: En mesure pondérée centrale, on arrive à un résultat à mi-chemin entre les deux précédents: la bougie est légèrement surexposée et le fond est encore visible.

Mesure de l’exposition pondérée centrale

Quel mode pour quel usage ?

Chaque usage n’a pas un mode qui lui est dédié mais on peut quand même associer chaque mode à certaines pratiques.

• mesure matricielle: pour les photos où toutes les zones sont d’égale importance. Un portrait de groupe par exemple (pour ne laisser personne dans l’ombre) ou une photo de paysage (pour équilibre la lumière entre le ciel et la terre).
• mesure spot: pour cibler un sujet de petite taille (macro, en photo minimaliste,…) ou pour exposer au mieux un sujet en particulier dans une scène très contrastée (comme la bougie dans l’exemple).
• mesure pondérée centrale: C’est le mode qui s’en sortira le mieux dans la plupart des situations. Il permet de mettre en valeur le sujet central d’une scène sans exclure le contour.

Pourquoi changer de mode ?

Le choix du mode d’exposition permet d’affiner l’exposition sans passer en mode manuel. Ça permet de rester en exposition automatique (ou semi-automatique dans le cas des priorités vitesse/ouverture), ce qui est quand-même plus confortable d’utilisation.

Pour vérifier l’exposition, le principe est simple: vous faites une photo test puis en contrôlez la luminosité. Soit en vérifiant directement sur l’écran au dos de l’appareil soit en affichant l’histogramme. Dans le doute, préférez la deuxième solution car l’histogramme donne une idée plus précise de la répartition de la luminosité (à condition de savoir lire un histogramme évidemment).

Bilan

Retenez que le mode de mesure est une façon supplémentaire d’affiner le réglage de l’exposition avec les modes automatique ou semi-automatique.

La mesure pondérée centrale marche dans presque toutes les situations. Quand vous ne savez pas quoi régler, choisissez donc ce réglage. Si le résultat n’est pas au rendez-vous, changez alors de mode de mesure.

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La gestion de l’exposition est la principale contrainte du photographe. Nous avons déjà vu qu’il est possible de corriger l’exposition lors de la prise de vue. Malgré tout, il peut être nécessaire de retoucher l’exposition après coup.

Corriger l’exposition revient à changer la luminosité. Dans Gimp, il existe plusieurs méthodes pour agir sur la luminosité. Nous allons voir comment faire avec les courbes.

Pourquoi utiliser les courbes ?

Pour corriger la luminosité, nous pourrions utiliser l’outil de réglage de luminosité/contraste (accessible dans le menu « Couleurs » > « Luminosité – Contraste »).

Ce réglage pose un problème de répartition de la lumière. En effet il agit de la même façon sur tous les tons de l’image. En augmentant la luminosité il y a un risque de cramer les zones claires et en la baissant, de boucher les zones sombres.

Prenons cette image:

En réduisant la luminosité avec l’outil de luminosité/contraste, nous obtenons ceci:

Luminosité réduite avec l’outil Luminosité/Contrastes

Vous pouvez constater que tous les tons ont été assombris: résultat, la seule zone éclairée de l’image devient sombre à son tour.

Reprenons l’image de départ et cette fois-ci, augmentons la luminosité (toujours avec l’outil luminosité/contraste):

Luminosité augmentée avec l’outil Luminosité/Contrastes

Le résultat est ici encore pire: les tons sombres ont été éclaircis ce qui ajoute un voile à toute l’image.

Ces deux exemples doivent suffirent pour vous convaincre que l’outil de luminosité n’est pas le plus conseillé pour la correction d’exposition.

Les courbes

Avec les courbes, il est possible d’agir au choix sur les tons sombres, sur les tons clairs ou les deux en même temps (Si vous ne savez pas comment fonctionne l’outil courbe, je vous conseille de lire l’article le principe des courbes avec Gimp).

Reprenons l’image de départ:

Prenons le cas de l’augmentation de la luminosité: Pour que l’image ne souffre pas trop de la correction, il faut éviter de cramer les tons clairs et voiler les tons sombres. Ça s’interprète sur la courbe de cette façon:

• Tirer la courbe vers le haut (pour augmenter la luminosité)
• Ne pas toucher au point le plus sombre (pour que les noirs restent bien noir)
• Ne pas toucher au point le plus clair ( pour ne pas cramer les tons clairs)

Affichez la courbe: menu « Couleurs » > « Courbes » et modifiez-la en suivant les recommandations que nous vennons de voir, ce qui donne ceci:

Courbe vers le haut

Le point noir et le point blanc (les extrémités de la courbe) n’ont pas bougé et la courbe est tirée vers le haut. Ce qui donne ceci sur la photo:

Résultat: La photo est nettement plus lumineuse sans que les tons sombres aient souffert: le noir reste noir.

Pour assombrir, le principe est le même mais il faut tirer la courbe vers le bas:

Courbe vers le bas

Ce qui donne ceci pour la photo:

Comme prévu, la photo est bien plus sombre mais les tons clairs ont quand même survécu à la transformation.

Bilan

Cet article est une preuve de plus de la puissance de l’outil courbe. Pas forcément facile à manier au début, les avantages d’une bonne utilisation sont énormes.

Pour corriger une exposition, notez qu’il suffit de tirer la courbe vers le haut ou vers le bas en laissant les deux extrémités fixes.

Enfin, les corrections appliquées dans ce tuto sont exagérées afin que l’effet soit bien visible mais pour une retouche photo, il faut être plus mesuré.

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Quand on arrive sur une scène à photographier, il est quasiment impossible de déterminer quel réglage va donner une exposition optimale. En effet, les trois paramètres de l’exposition (ouverture, temps de pose et sensibilité) interagissent entre eux et il n’est pas forcément évident de savoir lequel fixer.

Ne vous inquiétez pas, vous n’êtes pas seul dans ce combat ! Votre appareil va vous aider grâce aux modes de mesure de l’exposition: les fameux P, S, A, M qu’on retrouve sur les molettes de réglage.

Molette de réglage des modes d’exposition

Petit récapitulatif:

• Automatique (auto ou rectangle vert): l’appareil choisit tous les paramètres de la prise de vue,
• Programme (mode P): l’appareil choisit le temps de pose et l’ouverture,
• Priorité vitesse (mode S ou Tv): vous fixez le temps de pose et l’appareil détermine l’ouverture,
• Priorité ouverture (mode A ou Av): vous fixez l’ouverture et l’appareil détermine le temps de pose,
• Manuel (mode M): vous choisissez l’ouverture et le temps de pose.

Note: Excepté en mode automatique (le premier), le choix des ISO est à votre charge.

Dans cet article, je ferai l’impasse sur le mode automatique (auto ou rectangle vert) car c’est le mode le moins intéressant. Avec ce mode, vous n’avez absolument aucune possibilité de personnaliser votre prise de vue: l’appareil choisit tous les paramètres à votre place: ouverture, temps de pose, ISO, déclenchement du flash, balance des blancs,… Bref, je vous déconseille vivement de l’utiliser (c’est vous qui prenez les photos, pas l’appareil !).

Dans la plupart des cas, les modes programme ou priorité vous donneront entière satisfaction. Cependant, certains cas de prise de vue un peu complexes réclameront un peu plus de travail de votre part. Quand la lumière est trop localisée ou quand les contrastes sont trop grands, il arrive que ces modes ne suffisent plus.

La solution: le mode manuel ?

Le mode manuel est de loin celui qui est le plus polyvalent: vous pouvez tout faire et couvrir toutes les situations. Le revers de la médaille c’est qu’il est extrêmement complexe à utiliser. Quand on commence dans la photo et que les notions d’ouverture et de temps de pose ne sont pas claires, le mode manuel est même complètement inutilisable. Le mode manuel est donc à laisser de côté. Il existe une solution bien plus simple pour se sortir des situations complexes: la correction d’exposition.

La correction d’exposition est une fonction qui existe sur tous les appareils et qui permet d’affiner l’exposition sans pour autant passer en mode manuel.

Comment ça marche ?

C’est très simple à utiliser: Vous réglez votre appareil comme vous le faites d’habitude et vous faites une photo. Si la luminosité ne vous convient pas, vous choisissez une correction d’exposition et vous refaites une photo. C’est tout !

Exemple avec le mode P (ça marche de la même façon avec les modes A ou S). Voici un premier cliché pris avec le mode programme (P):

Exposition automatique mesurée en mode P

L’appareil a déterminé les paramètres suivants:

• Ouverture: F/3.5
• Temps de pose: 1/15s
• ISO: 200 (fixé)

Mettons que je veuille la même photo mais plus sombre. J’applique une correction d’exposition de -2Ev, ce qui donne ceci:

Exposition automatique avec une correction de -2Ev

L’appareil a recalculé les paramètres pour que l’image soit plus sombre, ce qui nous donne:

• Ouverture: F/4
• Temps de pose: 1/60s
• ISO: 200 (fixé)

Vous voyez que l’appareil s’est débrouillé pour réduire la luminosité en jouant à la fois sur le temps de pose et sur l’ouverture.

En fonction de votre appareil, vous avez directement un bouton d’accès à la correction d’exposition (tous les reflex en ont un). Il suffit d’appuyer dessus puis de tourner la molette de réglage pour choisir la valeur de la correction.

Bouton de correction d’exposition

Si votre appareil est un peu moins évolué, il faudra rentrer dans les menus pour accéder à la correction d’exposition. Dans ce cas, je vous laisse faire un petit tour dans le manuel de votre APN.

EV, IL, qu’est ce que ça veut dire ?

La correction d’exposition est donnée en IL ou EV. C’est deux symboles signifient exactement la même chose: IL (indice de lumination) est juste la traduction française de EV (exposure value, littéralement: valeur d’exposition).

Quand vous corrigez l’exposition de façon à surexposer la photo, la valeur en EV (ou IL) est positive et inversement, pour sous-exposer, la valeur est négative (-2EV dans l’exemple vu plus haut).

Note: L’échelle des EV est exponentielle. Concrètement, une correction de +1EV correspond à une multiplication de la luminosité par deux (+2EV = luminosité x4, +3EV = luminosité x8,…).

Quand appliquer la correction d’exposition ?

C’est à vous de déterminer si l’exposition de votre photo est bonne ou pas. Pour cela vous avez deux moyens:

• Regarder la photo sur l’écran de l’appareil et vérifier que la photo n’est ni trop sombre, ni trop claire (selon ce que vous souhaitez obtenir).
• Vérifier l’histogramme si l’appareil le permet. Il peut être bon de vérifier que l’histogramme ne « déborde » pas trop d’un coté ou de l’autre. Ce qui serait synonyme de pixels bouchés ou cramés.

Enfin, l’exposition est aussi un choix artistique alors si vous voulez sur (ou sous) exposer, c’est votre choix. Finalement une exposition est toujours bonne à partir du moment où c’est vous qui l’avez choisie !

Bilan

Ce qu’il faut retenir, c’est que le mode manuel est rarement obligatoire et que le mode automatique est vivement déconseillé.

Dans la plupart des cas, les modes d’expositions programme, priorité ouverture et priorité vitesse suffisent. Quand ils sont en défaut, il reste la correction d’exposition. Ce réglage permet d’agir simplement sur les paramètres de l’exposition sans avoir à les régler manuellement. Le mode manuel est à utiliser en dernier recours et/ou pour des pratiques photos vraiment particulières.

Pour finir, pensez à bien remettre la correction d’exposition à zéro après une prise de vue ou vous risqueriez d’avoir des photos mal exposées pour la suite de votre séance photo.

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Le jargon de la photographie est très riche et ce n’est pas toujours facile de s’y retrouver… Sur 1point2vue, il y a un lexique de la photo depuis un moment mais aujourd’hui, on va s’attarder un peu plus longuement sur deux termes très couramment utilisés: cramer et boucher. Alors qu’est ce que cela veut dire ?

Retour sur l’exposition

Les deux termes cramer et boucher sont liés à l’exposition de la photo. On l’a déjà vu, l’exposition correspond à la quantité de lumière que reçoit le capteur (ou le film) de l’appareil. Quand l’image est trop claire, on parle de sur-exposition et quand elle est trop sombre, de sous-exposition.

Une zone de l’image est dite « cramée » quand la lumière est localement trop forte. Cette zone de l’image ne contient aucune information tonale: tous les pixels sont blancs. A l’inverse, une zone de l’image est « bouchée » quand le capteur n’a pas reçu assez de lumière: tous les pixels sont noirs.

Exemple de zone cramée: le coeur des feux d’artifices n’a plus de détails

D’où ça vient ? Comme ce problème vient de l’exposition, c’est la lumière qu’il faut mettre en cause. Une photo peut être bouchée ou cramée pour deux raisons:

1. Le choix de l’exposition est mauvais: les choix d’ouverture/vitesse/temps de pose n’est pas le bon.
2. Le contraste de la scène est trop grand. C’est à dire que l’écart entre les hautes et les basses lumières est trop grand. Par exemple, en plein soleil, la lumière est forte et les ombres sont très marquées.

Quelles solutions ?

Dans le premier cas, la solution est simple: changer de réglage ! Je ne vais pas revenir sur ça, j’ai déjà longuement parlé de l’influence de la vitesse, du temps de pose et de la sensibilité sur l’exposition.

Quand le problème vient de l’éclairage même de la scène, c’est un peu plus compliqué pour s’en sortir… Si l’écart entre haute et basse lumière est trop grand, c’est que la dynamique de l’appareil n’est pas suffisante. Il est possible de l’élargir avec du HDR. C’est un peu lourd à gérer et le résultat n’est pas toujours au top mais c’est une solution.

La solution ultime est de laisser faire ! Si c’est gênant de cramer ou boucher une zone de l’image (voir plus bas), ce n’est pas forcément synonyme de photo ratée. Tant pis si certaines parties de l’image ne contiennent pas d’informations si le résultat visuel est sympa !

Le contre-jour est le meilleur exemple de photo ou des zones sont complètement bouchées. Pourtant, nous avons déjà vu qu’il était possible d’exploiter le contre jour.

En quoi c’est un problème ?

Le gros défaut d’une zone cramée ou bouchée est que ça génère un aplat sur l’image qui ne contient aucune nuance de couleur (tout blanc ou tout noir). Ca peut complètement bloquer la lecture de l’image en créant une masse qui déséquilibre la composition.

En plus une zone bouchée ou cramée ne sera pas rattrapable en retouche. En effet, les zones concernées ne contiennent aucune information tonale. En aucun cas la retouche n’ajoute des informations: au mieux elle les ré-interprète, au pire elle en perd.

Donc si une zone est complètement noire (bouchée), vous pourrez toujours augmenter la luminosité, les couleurs ne ré-apparaîtront pas.

Exemple: L’arrière plan est cramé sur la photo ci-dessous. Si on essaye de réduire la luminosité (même de façon poussée), on ne retrouvera pas les détails de l’extérieur.

Tentative de retouche d’un arrière plan cramé… raté

Bilan

Finalement, il n’y a pas grand chose de sorcier dans cet article de vocabulaire ! C’était surtout l’occasion de remettre une couche sur l’exposition et l’importance de l’équilibre de la lumière.

Gardez en tête que cramer ou boucher n’est pas forcément grave mais qu’il faut faire attention car ces zones ne seront pas rattrapables en retouche.

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En fin de journée ou la nuit, en intérieur,… les situations où la lumière est faible sont nombreuses. Vous le savez, prendre des photos quand l’ambiance est sombre est très complexe. Voici quelques pistes pour réussir ses photos par faible lumière.

Capter plus de lumière

Quand la lumière est faible, il faut en capter le maximum en jouant avec les paramètres de l’exposition. Utilisez un objectif à grande ouverture ( au moins f/2.8) et utilisez la plus grande ouverture possible. Les objectifs standards (vendus en kit) descendent rarement en dessous de 3.5. Pour avoir un objectif à grande ouverture et à bon prix, tournez-vous vers les focales fixes (35mm, 50mm ou 85mm par exemple) qui restent abordables, tout en étant très performants.

Ouverture F/1.4, pose 1/50s, sensibilité 400ISO

Pour le temps de pose, choisissez le plus court possible pour éviter le flou de mouvement. Pensez à utiliser la règle de la vitesse de sécurité (vitesse inférieure à l’inverse de la focale) qui marche dans la plupart des cas. Si le sujet est statique, l’idéal est d’utiliser un trepied pour augmenter le temps de pose sans risque de flou.

La sensibilité va permettre aussi de gagner en luminosité. Attention tout de même à l’augmentation du bruit qui accompagne l’augmentation de la sensibilité. Ce défaut dépend directement de la qualité du capteur de votre appareil, faites des tests à différentes sensibilités pour en voir l’impact. Dans la plupart des cas, il est quand même déconseillé de dépasser 800ISO.

Temps de pose de 1.3s avec l’utilisation d’un trépied

Ajouter de la lumière

Et bien oui, si il n’y a pas assez de lumière, il faut en ajouter !

La première solution est d’utiliser le flash. Faites attention à la portée car au delà de 3m, le flash n’a plus beaucoup d’influence (en fonction de votre matériel). Là encore, faites des tests avec votre materiel pour vérifier la portée de votre flash. Idéalement, faites ces tests en avance pour être prêt au bon moment.

La deuxième solution est d’utiliser l’éclairage ambiant. En effet, en vous déplaçant ou en déplaçant votre sujet, vous pourrez peut être gagner un peu de lumière. Arrangez-vous pour optimiser l’éclairage ambiant afin qu’il vous serve le mieux possible.

Exploiter la situation

Si la lumière ambiante n’est vraiment pas suffisante, vous pouvez exploiter le coté sombre de la pièce dans un but artistique. Le low key va dans ce sens, essayez d’exploiter cette pratique.

Une sous-exposition pour exploiter la faible lumière

Rattraper à la retouche

La retouche photo est plutôt délicate dans le cas d’une faible luminosité. En effet, en augmentant la luminosité en post-prod, vous risquez d’augmenter très largement le bruit (d’autant plus si votre appareil n’est pas le top de la qualité). La retouche est donc à éviter ou à utiliser avec beaucoup de modération.

Une fois encore, c’est le RAW qui s’en sort le mieux dans ce cas. En shootant en RAW, vous pourrez plus pousser le curseur de la luminosité qu’avec un JPG. Ne vous attendez pas à des miracles non plus car le manque de lumière est difficilement rattrapable.

Bilan

La photo dans un lieu sombre est complexe car la lumière est la matière première du photographe. Il n’y a pas beaucoup d’alternatives: exploiter le peu de lumière qu’il y a ou essayer d’en ajouter. Quand à la retouche photo, l’augmentation de la luminosité n’est pas son point fort.

Le meilleur conseil a retenir est d’expérimenter votre matériel dans des conditions de faible luminosité. Quelle est la sensibilité max que vous pouvez utiliser sans avoir trop de bruit ? Quelle vitesse max va générer du flou ? Quelle est la portée du flash ? En connaissant bien votre matériel, vous en connaîtrez les limites et saurez réagir rapidement quand les conditions de lumière ne seront pas en votre faveur.

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On a déjà fait le tour de l’exposition sur 1point2vue. L’ouverture, le temps de pose, les ISO,… tout ça c’est fait. Mais on s’est surtout intéressé à l’aspect théorique reste maintenant à appliquer tout ça sur le terrain. Autant dire que le plus facile est fait!

Dans cet article, on va s’intéresser à une règle pratique qui donne une indication sur le temps de pose, ce qui va permettre ensuite de régler les autres paramètres.

Vitesse et temps de pose

Quand on parle de l’exposition, la vitesse et temps de pose représentent la même chose. Cette précision peut paraitre inutile mais on me pose encore trop souvent la question. Si sur le principe c’est la même chose, attention à être sûr de savoir de quoi on parle: une grande vitesse fait référence un temps de pose faible. En voiture, plus la vitesse est grande, plus le temps de trajet est court, ici c’est le même principe.

De cette façon, quand on parle de vitesse mini: on fait référence au temps de pose maxi (comprenez bien ça, c’est important pour la suite).

La vitesse de sécurité

Vous le savez, l’augmentation du temps de pose s’accompagne d’une augmentation du risque de flou de bougé.

L’appareil bouge et c’est toute la photo qui est floue (focale: 35mm, temps de pose: 1/10s)

Ce flou vient d’un mouvement de l’appareil pendant la pose: Plus le temps de pose est court et plus le risque de flou diminue. D’où la loi qui détermine la vitesse minimale afin de réduire le flou que j’appelle la vitesse de sécurité:

Temps de pose maxi = 1/focale

Pour la photo précédente, avec un objectif 35mm, ça nous donne un temps de pose maxi est 1/35s: Il aurait donc fallut choisir une vitesse de 1/45s ou 1/60s par exemple.

La même photo en réduisant le temps de pose à 1/125s

Note: Cette loi prend en compte la focale car plus le zoom est grand plus les mouvements de l’appareil sont amplifiés.

Comment utiliser ce principe ?

Cette « vitesse de sécurité » vous donne une première indication. Une fois que la vitesse est fixée, il ne vous reste plus qu’a déterminer l’ouverture pour avoir une exposition correcte. Si l’ouverture n’est pas suffisante est que l’image est trop sombre, augmentez la sensibilité.

Attention, cette loi n’est pas la règle ultime… ça limite le risque mais le flou est toujours possible. Elle agit sur le flou de bougé de l’appareil mais pas sur le flou de mouvement du sujet. En effet, si ce dernier se déplace rapidement, il faudra encore diminuer le temps de pose.

35mm, 1/60s, la règle est respectée mais le sujet est trop rapide

Sur la photo ci-dessus, on voit que le flou de bougé de l’appareil n’est pas visible (le sol est net), c’est bien le sujet qui est trop rapide.

Cette règle est à modérer dans le cas d’un objectif stabilisé qui offre une plus grande latence sur le temps de pose. Par exemple pour un 50mm stabilisé, vous pourrez baisser légèrement la vitesse mini.

Enfin, vous pouvez complètement vous abstenir de cette règle en utilisant un trépied ou un support quelconque: dans ce cas, plus de risque que l’appareil bouge.

Conclusion

Le réglage des trois paramètres de l’exposition est la tâche la plus importante que vous aurez à faire avant d’appuyer sur le déclencheur. Malheureusement ce n’est pas toujours simple et intuitif et la règle de la vitesse de sécurité exposée plus haut est une aide. Quoi qu’il arrive, n’oubliez pas qu’elle ne donne qu’un ordre de grandeur: Il ne s’agit pas d’une valeur absolue à suivre à la lettre.

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Pas forcément facile de savoir par où commencer quand on débute dans un domaine. Heureusement pour la photo, il y a 1point2vue ! Dans cet article un peu particulier, je vous propose de faire le tour des notions importantes qui ont déjà été abordées sur le site pour vous y retrouver.

Apprendre la technique

Avant même de commencer à mettre le nez dans la technique photo, je vous conseille de lire le guide « faire ses premier pas en photographie ». Dans ce document: pas de calcul, pas de technique mais juste des conseils simples et accessibles à tous pour attaquer la photo du bon coté.

L’exposition: Comprendre la photo demande de comprendre le principe de l’exposition: c’est à dire comment intéragissent le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité. Ces trois paramètres agissent sur la luminosité de l’image mais aussi sur la composition de l’image. Vous pourrez ainsi maîtriser la profondeur de champs, le bruit ou le flou.

Balance des blancs: La photo numérique offre des possibilités que ne permet pas l’argentique: il faut en profiter! La gestion des couleurs par exemple. Là où l’argentique est limité par le choix de telle ou telle pellicule, le numérique permet de doser la balance des blancs. L’avantage c’est qu’il est possible de respecter ou de complètement détourner la balance des blancs.

Le format RAW: Avec la pratique de la photo, l’utilisation du format RAW s’impose: une meilleure qualité et un post-traitement plus fin en sont les deux gros avantages. Par contre, il demande des contraintes supplémentaires qu’il faut comprendre et maîtriser.

Apprendre à fabriquer des images

Vous maîtrisez la technique, reste à construire votre image, à la composer. Le travail du photographe ne s’arrête pas à la technique. Comment agencer entre eux les éléments de la scène ? Lequel mettre en avant ? Quelle place lui laisser ? Comment le cadrer ?… Ce sont vos choix de composition qui détermineront la réussite de votre image.

La règle des tiers: La première chose à connaitre quand on débute en photo est la règle des tiers. Cette règle dit qu’il faut (en général) placer le sujet le plus important non pas au centre de l’image mais sur un des tiers de l’image. Bien sûr il ne s’agit que d’une indication, il faut savoir aller plus loin que l’application systématique et l’adapter en fonction de la situation.

Le sens de lecture: Une photo se lit de la même façon qu’un texte. C’est pourquoi en composant une image, il est important de prendre en compte le sens de lecture. Ce principe permet de faire des images efficaces en jouant sur le déplacement du regard au travers de l’image.

Le flou: Malheureusement, le pauvre se retrouve souvent dans la catégorie des indésirables alors qu’il peut être un outil très utile pour la création. Il existe plusieurs sortes de flou qui faut savoir diagnostiquer pour l’éviter ou l’exploiter.

Histogramme: Outil important, l’histogramme permet (a condition de savoir le lire ! ) de vérifier l’exposition d’une photo et de la corriger si nécessaire.

Zoom et cadrage: Quelle est vraiment l’influence du zoom sur l’image ? Instinctivement, on pourrait croire qu’il sert à se rapprocher du sujet. C’est en partie vrai mais pas seulement: la focale modifie l’angle de champs. Ainsi l’influence de la focale sur le cadrage est un peu plus subtile qu’un simple rapprochement.

Expérimenter

Une fois toutes ces notions acquises, le travail n’est pas fini ! Il reste à essayer des nouvelles pratiques, à expérimenter pour toujours faire évoluer votre pratique.

En vrac, je peux vous parler de photo panoramique, de camera tossing, de time lapse,… mais il faudrait des centaines d’articles comme celui-ci pour en faire le tour !

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Vous le savez, l’exposition est une notion très importante en photo. Si vous voulez vous affranchir du mode automatique et maîtriser complètement la prise de vue, il faut bien la comprendre. Le site CameraSim.com propose un outil pour s’entraîner à jouer avec les paramètres de l’exposition.

Le site se présente comme le viseur d’un appareil reflex. Vous pouvez modifier le temps de pose, l’ouverture, les ISO, la focale,… et voir l’influence de chacun de ces paramètres sur l’exposition mais aussi sur la composition. Vous pourrez ainsi voir comment évoluent la profondeur de champs, le bruit ou le flou de mouvement.

Bien sûr cet outil ne remplacera pas une séance de prise de vue réelle mais ça reste un très bon outil pédagogique.

• Voir le site CameraSim.com

(Source: 01photo.org)

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Note: cet article fait partie d’une série sur le principe de l’exposition en photographie. Si vous avez raté le début, je vous invite à lire la première partie du dossier: L’exposition (1/4): L’ouverture et le temps de pose.

Nous avons vu en introduction dans la première partie de ce dossier que l’exposition est déterminée par trois paramètres: le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité. Dans cet article, nous allons nous intéresser à ce troisième paramètre: la sensibilité qui se caractérise sur l’appareil par le réglage des ISO.

Qu’est ce que la sensibilité ?

La sensibilité est une notion qui vient de la photographie argentique. Ce paramètre correspond à la capacité d’un film à capturer la lumière. Plus la sensibilité est élevée (grande valeur ISO) plus le film va imprimer rapidement la lumière. La sensibilité traduit ainsi la rapidité de la réaction chimique qui va se produire à sa surface. C’est donc une caractéristique qui dépend du film et pas des réglages de l’appareil photo.

En photographie numérique ce paramètre est réglable car il ne s’agit plus de la sensibilité du film mais du capteur. Par contre le principe reste exactement le même: plus l’ISO est élevé, plus le capteur pourra capter rapidement une certaine quantité de lumière.

Le réglage de la sensibilité va donc permettre de rendre le capteur plus ou moins rapide. Ce changement de vitesse de réaction va permettre de collecter plus de lumière pendant une même durée.

Influence sur l’exposition

Petit rappel:

• L’ouverture caractérise la quantité de lumière qui pénètre dans l’appareil
• Le temps de pose correspond à la durée pendant laquelle la lumière pénètre dans l’appareil

Il faut donc ajouter la sensibilité dans tout ça. Une photo est alors d’autant plus lumineuse que:

• L’ouverture est grande
• Le temps de pose est long
• La sensibilité est grande

Exemple: Voici une série de photos prises dans les mêmes conditions d’éclairage. L’ouverture est fixée à F/2.8 et on fait varier la sensibilité entre chaque photo. Le temps de pose est ajusté par l’appareil (en mode priorité ouverture) de façon à garder une exposition constante.

Pour chaque prise de vue, la vignette de gauche montre la photo dans son ensemble et celle de droite un zoom à 100% sur un détail.

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/10s – ISO 200

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/20s – ISO 400

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/40s – ISO 800

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/80s – ISO 1600

Ouverture F/2.8 – Temps de pose 1/160s – ISO 3200

Voici ce que l’on observe:

• Quand on regarde les vignettes de gauche, on voit que la luminosité reste constante.
• Quand on multiplie par deux la sensibilité, on divise par deux le temps de pose.
• Quand la sensibilité augmente, le bruit dégrade très vite l’image. Visible dès 400 ISO, il devient vraiment gênant au delà de 800 ISO. Cette remarque est à modérer en fonction de l’appareil: plus l’appareil est haut de gamme, plus le bruit est discret.

A quoi ça sert ?

Le réglage de la sensibilité permet d’ajouter de la flexibilité aux deux autres paramètres de l’exposition (l’ouverture et le temps de pose).

Augmenter les ISO permet alors au choix:

• de réduire le temps de pose pour limité le flou de bougé,
• de réduire l’ouverture pour avoir une plus grande profondeur de champs,

A l’inverse, réduire les ISO permet au choix:

• d’augmenter le temps de pose pour avoir un effet de filé,
• d’augmenter l’ouverture pour réduire la profondeur de champs.

Conclusion

Le réglage de la sensibilité permet d’avoir un peu plus de latitude sur les autres paramètres de l’exposition. L’augmentation des ISO s’accompagne d’une augmentation du bruit numérique. En fonction des conditions de prise de vue, l’idéal est de garder une valeur d’ISO la plus faible possible afin de minimiser ce problème.

Ainsi se conclut la série d’articles sur l’exposition. Avec ces quatre articles, j’espère que vous avez compris toutes les subtilités de cette notion essentielle. Si certaines choses vous semblent encore floues, n’hésitez pas à poser vos questions, les commentaires sont là pour ça.

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Note: cet article fait partie d’une série sur le principe de l’exposition en photographie. Si vous avez raté le début, je vous invite à lire la première partie du dossier: L’exposition (1/4): L’ouverture et le temps de pose.

L’ouverture du diaphragme et le temps de pose sont deux des trois paramètres à définir pour ajuster l’exposition. Dans cette troisième partie, nous allons voir comment déterminer le couple temps de pose/ouverture en utilisant les modes scènes.

Les modes scènes

Les modes scènes permettent un réglage plus ou moins automatisé de l’exposition. Il en existe plusieurs dont l’utilisation dépend de la scène photographiée et du résultat voulu. Sur la plupart des appareils, ils sont accessibles directement depuis une molette.

Il existe tout un tas de modes automatiques (portrait, paysage, sport, macro, enfant, nuit,…) qui varient d’un constructeur à l’autre, voire même d’un modèle à l’autre. Ils sont plutôt intuitifs  et faciles à utiliser. Le mode portrait par exemple va favoriser une grande ouverture et va régler les couleurs pour avoir une teinte de peau adoucie. Pour savoir concrètement comment agissent ces modes, je vous renvoie vers le mode d’emploi du boitier qui vous donnera tous les détails.

Dans cet article, nous allons plutôt nous intéresser aux modes « semi-automatique » que l’on retrouve sur tous les appareils: les modes P, S, A et M.

Le mode P: Programme

Le mode P est un mode d’exposition automatique: Il calcule seul le couple de paramètres ouverture et temps de pose. Ce mode automatise uniquement l’exposition: les autres paramètres sont personnalisables:

• balance des blancs,
• choix de l’utilisation ou non du flash,
• ISO (voir quatrième partie de ce dossier: L’exposition (4/4): La sensibilité ISO),
• collimateur de mise au point,
• effets spéciaux: noir et blanc, sépia,…

C’est un bon outil pour les débutants car ça permet de se concentrer sur des effets particuliers sans se préoccuper de l’exposition. Pour le photographe confirmé, c’est également un outil pratique car il permet d’être très réactif sur le terrain. En plus la personnalisation est importante car beaucoup de paramètres de l’appareil restent modifiables.

Ce mode est un bon compromis entre le mode automatique (auto) et le mode manuel (M). C’est une bonne solution quand on ne sait pas trop comment appréhender une scène. De plus les résultats sont bons en général.

Le mode S (ou Tv): priorité vitesse

Le mode S permet de donner la priorité à la vitesse: avec la molette de réglage, vous choisissez le temps de pose et le calculateur de l’appareil détermine l’ouverture qui convient.

Tout comme le mode programme, ce mode ne gère que l’exposition, les autres paramètres de la prise de vue sont personnalisables.

Ce mode va principalement servir à la photo du mouvement:

• La photo de sport demande un temps de pause très court pour avoir une netteté impeccable. On va donc régler directement un temps de pose court.

• Pour faire ressortir la vitesse d’un véhicule en jouant sur le flou de mouvement, on va donner un temps de pose long.

Le mode A (ou Av): priorité ouverture

Le mode A permet de donner la priorité à l’ouverture du diaphragme: vous choisissez l’ouverture et l’appareil détermine le temps de pose (c’est en quelque sorte l’inverse du mode priorité vitesse).

Tout comme le mode Programme, ce mode ne gère que l’exposition, les autres paramètres sont personnalisables.

L’ouverture influence la profondeur de champs. D’un point de vue technique cette notion est relativement simple à comprendre, mais il n’est pas forcement simple de l’appliquer sur le terrain.

Une grande ouverture permet d’avoir une zone de netteté très faible. La principale utilisation de ce principe est le portrait. En faisant la mise au point sur le visage, le fond apparait flou: cela permet de lisser le fond et de détacher le sujet afin de focaliser l’attention dessus.

On peut également utiliser une faible profondeur de champs pour faire ressortir la perspective en jouant sur les flous.

A l’inverse, une grande profondeur de champs permet d’avoir une grande zone de netteté sur l’image. C’est utile en photo de paysage pour avoir tous les plans de l’image nets.

Le mode M: tout manuel

En mode manuel, c’est à l’utilisateur de régler le temps de pose ET l’ouverture. Ce mode demande donc une bonne maîtrise de la photo et de l’appareil.

Pour régler l’exposition en mode manuel, il y a deux solutions:

• Utiliser un autre mode pour faire une mesure et relever les valeurs de l’exposition.
• Fixer un des deux paramètres et faire varier le deuxième en gardant un œil sur la mesure de l’exposition.

Normalement, les autres modes permettent de s’abstenir du mode M. Ce mode s’utilise surtout pour des cas particuliers:

• Lorsque les modes automatiques ne parviennent pas à mesurer convenablement l’exposition (éclairage complexe),
• Pour l’utilisation d’un flash manuel (impossible de mesurer l’exposition pendant l’éclair du flash),
• Pour des effets avec une gestion particulière de la lumière ( light painting, open flash,… )

Conclusion

En résumé:

• le mode programme (P) est rapide et accessible,
• les modes priorités (S et A ou Tv et Av) sont intéressants pour maitriser simplement la prise de vue,
• le mode manuel (M) s’adresse à une pratique plus particulière et plus experte de la photographie.

En tout cas, n’hésitez pas à faire des tests lors de vos séances: la photo s’apprend avec la pratique. De plus, en numérique les essais sont gratuits alors profitez-en !

Dans la prochaine partie, nous allons nous intéresser au troisième paramètre qui régie l’exposition: la sensibilité ISO.

Lire la suite: L’exposition (4/4): La sensibilité ISO

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