Qui a dit que le flou était un problème en photo ? Je vous le dis souvent: c’est autant un défaut qu’un outil de création. Dans cet article, nous allons même renforcer le flou d’une photo en utilisant ce que l’on appelle l’effet Orton.  Il s’agit d’une technique de flou artistique qui permet d’adoucir une photo.

Qu’est ce que l’effet Orton ?

Il s’agit d’une méthode qui tient son nom du photographe Michael Orton. Le principe est de superposer deux photos d’une même scène: une photo nette et une floue. On obtient alors une photo avec des textures plus douces qui « bavent » sur les contours.

Cette méthode était initialement pratiquée en photographie argentique en utilisant le principe de double exposition (deux photos prises sans déplacer le film entre les deux). En numérique, tout va se jouer à la retouche mais le principe est le même: superposer une photo floue sur une nette.

Voici la photo que nous allons utiliser dans ce tuto:

Et voici un exemple de ce que nous allons obtenir: (d’autre variantes sont possibles, voir en fin d’article)

Manipulation avec Gimp

Ouvrez votre photo avec Gimp.

Avec le bouton de copie en bas de la fenêtre des calques, dupliquez l’unique calque du document.

Vous avez maintenant deux calques dans la pile. Nous allons maintenant créer notre image floue: Activez le calque en haut de la pile de calque puis menu Filtres → Flou → Flou Gaussien. Réglez le flou à 15 puis validez.

Note: La photo de l’exemple étant de petite taille (500x333px), la valeur du flou est faible. Pour une photo plus grande, il faudra également augmenter le flou.

On a maintenant un calque avec une photo floue et un autre avec la photo nette. Il ne reste plus qu’à mélanger les deux: baissez l’opacité du calque flou à 50%.

Vous obtenez alors le résultat final:

Pour aller plus loin

Il est possible de changer le rendu de l’effet en jouant sur les modes de fusion et l’opacité du calque flou.

Avec le mode « écran » et une opacité à 100%:

Avec le mode « Fusion de grain » et une opacité de 100%:

Ces deux modes donnent des résultats intéressants mais libre à vous d’en essayer d’autres. En fonction de la photo, un mode marche mieux qu’un autre.

Note: Les deux derniers exemples montrent l’impact du mode de fusion sur la luminosité de l’image. En fonction de votre image, il peut être intéressant de modifier la luminosité d’un des deux calques pour affiner au mieux le résultat.

Conclusion

Il s’agit là d’un effet très simple à réaliser. Cependant, si vous ne connaissez pas beaucoup Gimp, il donne un aperçu de l’impact que peut avoir le mode de fusion sur les calques.

La technique a été appliquée ici sur un paysage mais notez qu’elle s’applique particulièrement bien aux photos de portrait.

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En fin de journée ou la nuit, en intérieur,… les situations où la lumière est faible sont nombreuses. Vous le savez, prendre des photos quand l’ambiance est sombre est très complexe. Voici quelques pistes pour réussir ses photos par faible lumière.

Capter plus de lumière

Quand la lumière est faible, il faut en capter le maximum en jouant avec les paramètres de l’exposition. Utilisez un objectif à grande ouverture ( au moins f/2.8) et utilisez la plus grande ouverture possible. Les objectifs standards (vendus en kit) descendent rarement en dessous de 3.5. Pour avoir un objectif à grande ouverture et à bon prix, tournez-vous vers les focales fixes (35mm, 50mm ou 85mm par exemple) qui restent abordables, tout en étant très performants.

Ouverture F/1.4, pose 1/50s, sensibilité 400ISO

Pour le temps de pose, choisissez le plus court possible pour éviter le flou de mouvement. Pensez à utiliser la règle de la vitesse de sécurité (vitesse inférieure à l’inverse de la focale) qui marche dans la plupart des cas. Si le sujet est statique, l’idéal est d’utiliser un trepied pour augmenter le temps de pose sans risque de flou.

La sensibilité va permettre aussi de gagner en luminosité. Attention tout de même à l’augmentation du bruit qui accompagne l’augmentation de la sensibilité. Ce défaut dépend directement de la qualité du capteur de votre appareil, faites des tests à différentes sensibilités pour en voir l’impact. Dans la plupart des cas, il est quand même déconseillé de dépasser 800ISO.

Temps de pose de 1.3s avec l’utilisation d’un trépied

Ajouter de la lumière

Et bien oui, si il n’y a pas assez de lumière, il faut en ajouter !

La première solution est d’utiliser le flash. Faites attention à la portée car au delà de 3m, le flash n’a plus beaucoup d’influence (en fonction de votre matériel). Là encore, faites des tests avec votre materiel pour vérifier la portée de votre flash. Idéalement, faites ces tests en avance pour être prêt au bon moment.

La deuxième solution est d’utiliser l’éclairage ambiant. En effet, en vous déplaçant ou en déplaçant votre sujet, vous pourrez peut être gagner un peu de lumière. Arrangez-vous pour optimiser l’éclairage ambiant afin qu’il vous serve le mieux possible.

Exploiter la situation

Si la lumière ambiante n’est vraiment pas suffisante, vous pouvez exploiter le coté sombre de la pièce dans un but artistique. Le low key va dans ce sens, essayez d’exploiter cette pratique.

Une sous-exposition pour exploiter la faible lumière

Rattraper à la retouche

La retouche photo est plutôt délicate dans le cas d’une faible luminosité. En effet, en augmentant la luminosité en post-prod, vous risquez d’augmenter très largement le bruit (d’autant plus si votre appareil n’est pas le top de la qualité). La retouche est donc à éviter ou à utiliser avec beaucoup de modération.

Une fois encore, c’est le RAW qui s’en sort le mieux dans ce cas. En shootant en RAW, vous pourrez plus pousser le curseur de la luminosité qu’avec un JPG. Ne vous attendez pas à des miracles non plus car le manque de lumière est difficilement rattrapable.

Bilan

La photo dans un lieu sombre est complexe car la lumière est la matière première du photographe. Il n’y a pas beaucoup d’alternatives: exploiter le peu de lumière qu’il y a ou essayer d’en ajouter. Quand à la retouche photo, l’augmentation de la luminosité n’est pas son point fort.

Le meilleur conseil a retenir est d’expérimenter votre matériel dans des conditions de faible luminosité. Quelle est la sensibilité max que vous pouvez utiliser sans avoir trop de bruit ? Quelle vitesse max va générer du flou ? Quelle est la portée du flash ? En connaissant bien votre matériel, vous en connaîtrez les limites et saurez réagir rapidement quand les conditions de lumière ne seront pas en votre faveur.

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Lors de sa conférence Max 2011, Adobe a fait une démonstration qui a fait beaucoup de bruit dans le monde de la photo. Il s’agit d’un algorithme qui permet d’analyser une photo floue et de la transformer en photo nette.

Annoncé de cette façon, cet outil est véritablement révolutionnaire. En fait, il ne s’attaque pas à tous les flous (au cas où vous l’ignorez, il existe plusieurs types de flous) mais uniquement au flou de bougé. Ce dernier est généré par un mouvement de l’appareil pendant la pose. Le principe du programme d’Adobe est d’analyser la photo pour déterminer la trajectoire de ce mouvement. A partir de cette donnée, il recompose l’image en faisant le mouvement inverse.

La démonstration en vidéo lors de la conference Max 2011:

Que devient le travail du photographe ?

Comme souvent avec ce genre d’innovation, les puristes vont rapidement monter au créneau: Que devient le travail du photographe si un ordinateur permet de remplacer la technique ?

Je ne fais pas partie des puristes: Si un outil existe et qu’il est performant autant l’utiliser ! Si la technique se simplifie, ça permet de rendre la photo de plus en plus accessible et c’est tant mieux. De plus, en laissant de coté les problèmes techniques, le photographe peut se concentrer sur des problèmes artistiques (composition, lecture de l’image, message propagé,…), ce qui n’est pas plus mal finalement.

Un prototype

Que les sceptiques se rassurent, cet outil n’est encore qu’au stade de développement. Si la présentation d’Adobe est impressionnante, des questions restent en suspend. Est-ce que la résolution souffre de ce traitement ? Que devient le piqué de l’image ? Quelle est la puissance nécessaire pour faire tourner cet algorithme ? Quel niveau de dégradation est-il capable de supporter ?

Pour conclure, il est facile de comprendre que cet outil intéresse. En effet, éviter le flou de bougé est un art à lui tout seul (je vous avais parlé de la règle de la vitesse de sécurité mais ce n’est pas une solution absolue). Malgrè tout, on comprend bien qu’Adobe a bossé dur mais qu’on n’est encore qu’en face d’un outil en développement.

Pour répondre à la question du titre: le flou en photo risque encore d’être là encore pendant un petit bout de temps. Au photographe de se débrouiller avec !

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On a déjà fait le tour de l’exposition sur 1point2vue. L’ouverture, le temps de pose, les ISO,… tout ça c’est fait. Mais on s’est surtout intéressé à l’aspect théorique reste maintenant à appliquer tout ça sur le terrain. Autant dire que le plus facile est fait!

Dans cet article, on va s’intéresser à une règle pratique qui donne une indication sur le temps de pose, ce qui va permettre ensuite de régler les autres paramètres.

Vitesse et temps de pose

Quand on parle de l’exposition, la vitesse et temps de pose représentent la même chose. Cette précision peut paraitre inutile mais on me pose encore trop souvent la question. Si sur le principe c’est la même chose, attention à être sûr de savoir de quoi on parle: une grande vitesse fait référence un temps de pose faible. En voiture, plus la vitesse est grande, plus le temps de trajet est court, ici c’est le même principe.

De cette façon, quand on parle de vitesse mini: on fait référence au temps de pose maxi (comprenez bien ça, c’est important pour la suite).

La vitesse de sécurité

Vous le savez, l’augmentation du temps de pose s’accompagne d’une augmentation du risque de flou de bougé.

L’appareil bouge et c’est toute la photo qui est floue (focale: 35mm, temps de pose: 1/10s)

Ce flou vient d’un mouvement de l’appareil pendant la pose: Plus le temps de pose est court et plus le risque de flou diminue. D’où la loi qui détermine la vitesse minimale afin de réduire le flou que j’appelle la vitesse de sécurité:

Temps de pose maxi = 1/focale

Pour la photo précédente, avec un objectif 35mm, ça nous donne un temps de pose maxi est 1/35s: Il aurait donc fallut choisir une vitesse de 1/45s ou 1/60s par exemple.

La même photo en réduisant le temps de pose à 1/125s

Note: Cette loi prend en compte la focale car plus le zoom est grand plus les mouvements de l’appareil sont amplifiés.

Comment utiliser ce principe ?

Cette « vitesse de sécurité » vous donne une première indication. Une fois que la vitesse est fixée, il ne vous reste plus qu’a déterminer l’ouverture pour avoir une exposition correcte. Si l’ouverture n’est pas suffisante est que l’image est trop sombre, augmentez la sensibilité.

Attention, cette loi n’est pas la règle ultime… ça limite le risque mais le flou est toujours possible. Elle agit sur le flou de bougé de l’appareil mais pas sur le flou de mouvement du sujet. En effet, si ce dernier se déplace rapidement, il faudra encore diminuer le temps de pose.

35mm, 1/60s, la règle est respectée mais le sujet est trop rapide

Sur la photo ci-dessus, on voit que le flou de bougé de l’appareil n’est pas visible (le sol est net), c’est bien le sujet qui est trop rapide.

Cette règle est à modérer dans le cas d’un objectif stabilisé qui offre une plus grande latence sur le temps de pose. Par exemple pour un 50mm stabilisé, vous pourrez baisser légèrement la vitesse mini.

Enfin, vous pouvez complètement vous abstenir de cette règle en utilisant un trépied ou un support quelconque: dans ce cas, plus de risque que l’appareil bouge.

Conclusion

Le réglage des trois paramètres de l’exposition est la tâche la plus importante que vous aurez à faire avant d’appuyer sur le déclencheur. Malheureusement ce n’est pas toujours simple et intuitif et la règle de la vitesse de sécurité exposée plus haut est une aide. Quoi qu’il arrive, n’oubliez pas qu’elle ne donne qu’un ordre de grandeur: Il ne s’agit pas d’une valeur absolue à suivre à la lettre.

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Pas forcément facile de savoir par où commencer quand on débute dans un domaine. Heureusement pour la photo, il y a 1point2vue ! Dans cet article un peu particulier, je vous propose de faire le tour des notions importantes qui ont déjà été abordées sur le site pour vous y retrouver.

Apprendre la technique

Avant même de commencer à mettre le nez dans la technique photo, je vous conseille de lire le guide « faire ses premier pas en photographie ». Dans ce document: pas de calcul, pas de technique mais juste des conseils simples et accessibles à tous pour attaquer la photo du bon coté.

L’exposition: Comprendre la photo demande de comprendre le principe de l’exposition: c’est à dire comment intéragissent le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité. Ces trois paramètres agissent sur la luminosité de l’image mais aussi sur la composition de l’image. Vous pourrez ainsi maîtriser la profondeur de champs, le bruit ou le flou.

Balance des blancs: La photo numérique offre des possibilités que ne permet pas l’argentique: il faut en profiter! La gestion des couleurs par exemple. Là où l’argentique est limité par le choix de telle ou telle pellicule, le numérique permet de doser la balance des blancs. L’avantage c’est qu’il est possible de respecter ou de complètement détourner la balance des blancs.

Le format RAW: Avec la pratique de la photo, l’utilisation du format RAW s’impose: une meilleure qualité et un post-traitement plus fin en sont les deux gros avantages. Par contre, il demande des contraintes supplémentaires qu’il faut comprendre et maîtriser.

Apprendre à fabriquer des images

Vous maîtrisez la technique, reste à construire votre image, à la composer. Le travail du photographe ne s’arrête pas à la technique. Comment agencer entre eux les éléments de la scène ? Lequel mettre en avant ? Quelle place lui laisser ? Comment le cadrer ?… Ce sont vos choix de composition qui détermineront la réussite de votre image.

La règle des tiers: La première chose à connaitre quand on débute en photo est la règle des tiers. Cette règle dit qu’il faut (en général) placer le sujet le plus important non pas au centre de l’image mais sur un des tiers de l’image. Bien sûr il ne s’agit que d’une indication, il faut savoir aller plus loin que l’application systématique et l’adapter en fonction de la situation.

Le sens de lecture: Une photo se lit de la même façon qu’un texte. C’est pourquoi en composant une image, il est important de prendre en compte le sens de lecture. Ce principe permet de faire des images efficaces en jouant sur le déplacement du regard au travers de l’image.

Le flou: Malheureusement, le pauvre se retrouve souvent dans la catégorie des indésirables alors qu’il peut être un outil très utile pour la création. Il existe plusieurs sortes de flou qui faut savoir diagnostiquer pour l’éviter ou l’exploiter.

Histogramme: Outil important, l’histogramme permet (a condition de savoir le lire ! ) de vérifier l’exposition d’une photo et de la corriger si nécessaire.

Zoom et cadrage: Quelle est vraiment l’influence du zoom sur l’image ? Instinctivement, on pourrait croire qu’il sert à se rapprocher du sujet. C’est en partie vrai mais pas seulement: la focale modifie l’angle de champs. Ainsi l’influence de la focale sur le cadrage est un peu plus subtile qu’un simple rapprochement.

Expérimenter

Une fois toutes ces notions acquises, le travail n’est pas fini ! Il reste à essayer des nouvelles pratiques, à expérimenter pour toujours faire évoluer votre pratique.

En vrac, je peux vous parler de photo panoramique, de camera tossing, de time lapse,… mais il faudrait des centaines d’articles comme celui-ci pour en faire le tour !

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Vous le savez, l’exposition est une notion très importante en photo. Si vous voulez vous affranchir du mode automatique et maîtriser complètement la prise de vue, il faut bien la comprendre. Le site CameraSim.com propose un outil pour s’entraîner à jouer avec les paramètres de l’exposition.

Le site se présente comme le viseur d’un appareil reflex. Vous pouvez modifier le temps de pose, l’ouverture, les ISO, la focale,… et voir l’influence de chacun de ces paramètres sur l’exposition mais aussi sur la composition. Vous pourrez ainsi voir comment évoluent la profondeur de champs, le bruit ou le flou de mouvement.

Bien sûr cet outil ne remplacera pas une séance de prise de vue réelle mais ça reste un très bon outil pédagogique.

• Voir le site CameraSim.com

(Source: 01photo.org)

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Je passe pas mal de temps sur les forums spécialisé en photo. J’ai pu lire récemment un message posté par un futur photographe qui voulait « un appareil qui ne fait pas de photo flou ».

Cette demande m’a un peu surpris: Le flou serait donc l’ennemi du photographe ? Et bien en fait non… et oui ! En fait il n’existe pas qu’un seul flou. Pour pouvoir répondre à la question de l’intérêt du flou, il faut pouvoir en définir les différentes natures.

Le flou de mise point

Une photo est flou lorsque la mise au point n’est pas faite correctement (scoop !). Malgré tout ce flou peut aussi être à l’avantage du photographe: Une photo ne peut pas être nette partout à cause de la profondeur de champ. En utilisant ce principe de la bonne façon, on peut utiliser le flou pour lisser l’arriere plan de l’image.

Exemple de flou en arrière-plan

Dans le cas où le flou de mise au point ne concerne que l’arrière-plan, on parle alors de bokeh.

Le flou de bougé

On peut obtenir une photo flou lorsque l’appareil bouge pendant la prise de vue. Le risque de flou de bougé augmente avec l’augmentation du temps de pose et de la focale.

Un flou de bougé à cause d’un temps de pose trop long

C’est surement ce flou qui est le plus nuisible car il est artistiquement très peu exploitable (sauf dans le cas du filé et du camera tossing). De plus comme c’est l’appareil qui bouge, c’est toute la photo qui est flou.

Pour régler ce problème, il existe plusieurs solutions:

• Jouer sur l’exposition: Réduire au maximum le temps de pose en augmentant l’ouverture et/ou la sensibilité.
• L’objectif stabilisé: un système de lentilles mobiles compense le mouvement de l’appareil pour stabiliser l’image.
• Le trépied: évite tous les mouvements de l’appareil.

Le flou cinétique ou flou de mouvement

Dans la même lignée que le flou de bougé, le flou cinétique provient du mouvement. Il ne s’agit pas ici du mouvement de l’appareil mais du sujet. Là encore le risque de flou cinétique augmente avec le temps de pose.

Pour générer ce flou, il faut donc un temps de pose long et un appareil stabilisé (support ou système anti-vibration). Voici ce que l’on peut obtenir:

Flou cinétique réalisé avec un trépied et un temps de pose d’ 1s

Le flou radial

Le flou radial est un flou directionnel qui part du centre de la photo et vers les bords. Concrètement, ce flou s’obtient en faisant varier la focale (donc le zoom) pendant la pose. Il faut choisir un temps de pose relativement long (au moins une demi-seconde), déclencher et faire tourner la bague de zoom le plus rapidement possible.

Voici ce que l’on peut obtenir:

Flou radial produit par un zoom rapide

Ce flou est un peu en marge car il est forcement volontaire.

Conclusion

Alors que répondre à notre photographe en herbe qui veut un « un appareil qui ne fait pas de photo flou » ? Et bien on peut déjà lui conseiller de lire cet article !

Vous l’aurez compris, le flou peut être un défaut destructeur autant qu’un outil de création. Ennemi dans certain cas, allié dans d’autres. C’est au photographe de faire son choix en fonction de la scène qu’il a devant les yeux et des limites de son matériel.

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La profondeur de champs (PDC) est une notion primordiale de la photographie. C’est un paramètre technique ET artistique qu’il faut bien comprendre pour évoluer dans la pratique de la photo.

Définition

Pour faire la mise au point en photographie, il faut cibler un élément de la scène. L’appareil détermine alors à quelle distance se trouve le sujet et déplace les lentilles de l’objectif pour que ce sujet soit net. La mise au point est donc directement liée à la distance entre le sujet et l’appareil. Un élément plus éloigné ou plus proche que ce sujet sera alors flou.

Exemple: sur le schéma ci-dessous, la mise au point est faite sur la fleur rouge. Les fleurs bleue et verte seront alors floues car en dehors de la zone de netteté.

Il y a donc une zone où le sujet est net et deux zones (en avant et en arrière) où tout est flou. C’est cette zone où les détails sont nets que l’on appelle la profondeur de champ.

Comment influencer la PDC ?

Plusieurs paramètres permettent de maîtriser la profondeur de champ.

• Ouverture: Plus l’ouverture est grande, plus la profondeur de champs est courte.

Exemple: les deux photos suivantes ont été prises dans les mêmes conditions. Avec une ouverture F/22 (faible ouverture), la profondeur de champ est maximale: quasiment toutes les cartes sont nettes.

Avec une ouverture F/3.5 (grande ouverture), la profondeur de champ est très courte: seule la première carte est complètement nette.

• Longueur Focale: Plus la focale est grande, plus la profondeur de champ est courte.

• Distance du sujet: Plus le sujet sur lequel est faite la mise au point est proche, plus la profondeur de champ sera courte.

Par exemple, sur le paysage de montagne ci-dessous, mêmes si les sommets sont à des kilomètres les uns des autres, ils sont tous nets, car très éloigné de l’appareil.

Si on reprend l’exemple précédant, il n’y a que quelques centimètres entre la première et la deuxième carte. Pourtant la différence de netteté est très visible car les cartes sont très proches de l’objectif.

Bilan

Pour avoir une profondeur de champ la plus courte possible, il faut donc:

• Une grande ouverture
• Une grande focale
• Etre le plus près possible du sujet

Et inversement pour avoir une grande profondeur de champ.

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Le bokode est un code-barres d’un nouveau type. D’un diamètre de 3mm, il permet de stoker cent fois plus d’informations qu’un code barre classique.

Quel est le rapport entre la photographie et un code barre ? Le nom « bokode » est un mélange entre « code » et « bokeh », un terme bien connu des photographes. En effet, le principe de lecture du bokode est basé sur le flou de mise au point en photographie.

Le bokode est surmontée d’une petite lentille qui permet de rendre visible les informations par un appareil dont la mise au point est faite sur l’infinie. Le dispositif est ainsi visible par n’importe quel appareil photo (notamment le téléphone portable) et ce jusqu’à une distance de quatre mètre.

(source image: Wikipédia)

• Photo de gauche: Différents exemples de codes-barres avec le bokode (en rouge) au centre.
• Photo de droite: Le bokode pris en photo avec une mise au point à l’infinie: les informations, invisible à l’œil nu, sont révélées.

Encore trop cher à l’heure actuelle pour être commercialisé à grande échelle, il faudra attendre un peu avant de le voir sur nos paquets de pâtes.

• Le bokode sur Futura-Sciences.com
• Le bokode sur Wikipédia
  

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Dans ce tutoriel, nous allons voir comment augmenter artificiellement la netteté d’une photo pendant la phase de retouche. Pour cette opération, nous allons utiliser Gimp et les modes d’incrustation des claques.

Qu’est-ce que la netteté ?

La netteté est liée au contraste: plus la netteté est grande, plus le contraste est grand. Cependant, pour augmenter la netteté, augmenter le contraste ne suffit pas. Il faut augmenter le contraste local, c’est à dire uniquement dans les zones de transition de l’image.

Exemple: Voici la photo que nous allons utiliser pour ce tutoriel:

Et voici ce que l’on va obtenir:

Pour le tutoriel, la netteté a été exagérée pour être bien visible. Dans le cadre d’une retouche photo, il faudra utiliser des réglages plus fins.

Manipulation

Ouvrez la photo avec Gimp et dupliquez deux fois le calque « arrière-plan » avec le bouton de duplication en bas de la fenêtre des calques.

Vous avez alors trois calques identiques.

Sélectionnez le calque au sommet de la pile (le plus haut) plus floutez-le: menu « filtres » -> « flou » -> « flou Gaussien ». Choisissez une valeur de flou de 10 pixels puis validez.

La valeur du flou que vous allez rentrer ici conditionnera le résultat: plus le flou est grand à cette étape, plus la netteté sera importante à la fin. Pour le tuto, la valeur est volontairement élevée pour que l’effet soit bien visible.

Vous devez obtenir ceci:

Passez alors ce calque (toujours celui en haut de la pile) en mode « extraction de grain ».

Vous obtenez alors ceci:

Fusionnez ce calque avec celui d’en dessous: clic droit sur le calque au sommet de la pile de claque et choisissez « fusionnez vers le bas ». Le calque ainsi obtenu correspond à ce que l’on appelle un « passe-haut », il contient toutes les zones de l’image où le contraste local est fort.

Passez alors le calque obtenu en mode « fusion de grain ».

Vous arrivez alors au résultat final:

Réglage de l’effet

Il y a deux paramètres qui vont permettre d’influencer le rendu de cet effet:

• La valeur du flou gaussien que l’on applique au début: plus le flou est important, plus la netteté sera grande.
• L’opacité du calque « passe-haut » (le calque à dominantes grises): plus l’opacité est faible, plus l’effet sera discret.

Cet effet dépend beaucoup de la taille de l’image. Avec les mêmes réglages, le résultat ne sera pas le même si vous travailler si une grande ou une petite image. Dans ce tutoriel, la photo est de faible résolution (500 pixels de large) donc l’effet est particulièrement visible.

Conclusion

L’augmentation de la netteté est très délicate à doser car on a tendance à trop en faire. Les défauts d’une netteté artificielle trop grande sont bien visibles dans l’exemple:

• Apparition de halos autour des zones de fort contrastes (entre le fouet et la pâte),
• Aberrations chromatiques sur ces mêmes zones,
• Augmentation du bruit.

Comme toutes les retouches photo, il faut savoir se limiter avant de trop dénaturer la photo de départ. N’hésitez pas à jeter un coup d’œil de temps en temps sur la photo originale.

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