Pas forcément facile de savoir par où commencer quand on débute dans un domaine. Heureusement pour la photo, il y a 1point2vue ! Dans cet article un peu particulier, je vous propose de faire le tour des notions importantes qui ont déjà été abordées sur le site pour vous y retrouver.

Apprendre la technique

Avant même de commencer à mettre le nez dans la technique photo, je vous conseille de lire le guide « faire ses premier pas en photographie ». Dans ce document: pas de calcul, pas de technique mais juste des conseils simples et accessibles à tous pour attaquer la photo du bon coté.

L’exposition: Comprendre la photo demande de comprendre le principe de l’exposition: c’est à dire comment intéragissent le temps de pose, l’ouverture et la sensibilité. Ces trois paramètres agissent sur la luminosité de l’image mais aussi sur la composition de l’image. Vous pourrez ainsi maîtriser la profondeur de champs, le bruit ou le flou.

Balance des blancs: La photo numérique offre des possibilités que ne permet pas l’argentique: il faut en profiter! La gestion des couleurs par exemple. Là où l’argentique est limité par le choix de telle ou telle pellicule, le numérique permet de doser la balance des blancs. L’avantage c’est qu’il est possible de respecter ou de complètement détourner la balance des blancs.

Le format RAW: Avec la pratique de la photo, l’utilisation du format RAW s’impose: une meilleure qualité et un post-traitement plus fin en sont les deux gros avantages. Par contre, il demande des contraintes supplémentaires qu’il faut comprendre et maîtriser.

Apprendre à fabriquer des images

Vous maîtrisez la technique, reste à construire votre image, à la composer. Le travail du photographe ne s’arrête pas à la technique. Comment agencer entre eux les éléments de la scène ? Lequel mettre en avant ? Quelle place lui laisser ? Comment le cadrer ?… Ce sont vos choix de composition qui détermineront la réussite de votre image.

La règle des tiers: La première chose à connaitre quand on débute en photo est la règle des tiers. Cette règle dit qu’il faut (en général) placer le sujet le plus important non pas au centre de l’image mais sur un des tiers de l’image. Bien sûr il ne s’agit que d’une indication, il faut savoir aller plus loin que l’application systématique et l’adapter en fonction de la situation.

Le sens de lecture: Une photo se lit de la même façon qu’un texte. C’est pourquoi en composant une image, il est important de prendre en compte le sens de lecture. Ce principe permet de faire des images efficaces en jouant sur le déplacement du regard au travers de l’image.

Le flou: Malheureusement, le pauvre se retrouve souvent dans la catégorie des indésirables alors qu’il peut être un outil très utile pour la création. Il existe plusieurs sortes de flou qui faut savoir diagnostiquer pour l’éviter ou l’exploiter.

Histogramme: Outil important, l’histogramme permet (a condition de savoir le lire ! ) de vérifier l’exposition d’une photo et de la corriger si nécessaire.

Zoom et cadrage: Quelle est vraiment l’influence du zoom sur l’image ? Instinctivement, on pourrait croire qu’il sert à se rapprocher du sujet. C’est en partie vrai mais pas seulement: la focale modifie l’angle de champs. Ainsi l’influence de la focale sur le cadrage est un peu plus subtile qu’un simple rapprochement.

Expérimenter

Une fois toutes ces notions acquises, le travail n’est pas fini ! Il reste à essayer des nouvelles pratiques, à expérimenter pour toujours faire évoluer votre pratique.

En vrac, je peux vous parler de photo panoramique, de camera tossing, de time lapse,… mais il faudrait des centaines d’articles comme celui-ci pour en faire le tour !

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Vous le savez, l’exposition est une notion très importante en photo. Si vous voulez vous affranchir du mode automatique et maîtriser complètement la prise de vue, il faut bien la comprendre. Le site CameraSim.com propose un outil pour s’entraîner à jouer avec les paramètres de l’exposition.

Le site se présente comme le viseur d’un appareil reflex. Vous pouvez modifier le temps de pose, l’ouverture, les ISO, la focale,… et voir l’influence de chacun de ces paramètres sur l’exposition mais aussi sur la composition. Vous pourrez ainsi voir comment évoluent la profondeur de champs, le bruit ou le flou de mouvement.

Bien sûr cet outil ne remplacera pas une séance de prise de vue réelle mais ça reste un très bon outil pédagogique.

• Voir le site CameraSim.com

(Source: 01photo.org)

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Note: cet article fait partie d’une série sur le principe de l’exposition en photographie. Si vous avez raté le début, je vous invite à lire la première partie du dossier: L’exposition (1/4): L’ouverture et le temps de pose.

L’ouverture du diaphragme et le temps de pose sont deux des trois paramètres à définir pour ajuster l’exposition. Dans cette troisième partie, nous allons voir comment déterminer le couple temps de pose/ouverture en utilisant les modes scènes.

Les modes scènes

Les modes scènes permettent un réglage plus ou moins automatisé de l’exposition. Il en existe plusieurs dont l’utilisation dépend de la scène photographiée et du résultat voulu. Sur la plupart des appareils, ils sont accessibles directement depuis une molette.

Il existe tout un tas de modes automatiques (portrait, paysage, sport, macro, enfant, nuit,…) qui varient d’un constructeur à l’autre, voire même d’un modèle à l’autre. Ils sont plutôt intuitifs  et faciles à utiliser. Le mode portrait par exemple va favoriser une grande ouverture et va régler les couleurs pour avoir une teinte de peau adoucie. Pour savoir concrètement comment agissent ces modes, je vous renvoie vers le mode d’emploi du boitier qui vous donnera tous les détails.

Dans cet article, nous allons plutôt nous intéresser aux modes « semi-automatique » que l’on retrouve sur tous les appareils: les modes P, S, A et M.

Le mode P: Programme

Le mode P est un mode d’exposition automatique: Il calcule seul le couple de paramètres ouverture et temps de pose. Ce mode automatise uniquement l’exposition: les autres paramètres sont personnalisables:

• balance des blancs,
• choix de l’utilisation ou non du flash,
• ISO (voir quatrième partie de ce dossier: L’exposition (4/4): La sensibilité ISO),
• collimateur de mise au point,
• effets spéciaux: noir et blanc, sépia,…

C’est un bon outil pour les débutants car ça permet de se concentrer sur des effets particuliers sans se préoccuper de l’exposition. Pour le photographe confirmé, c’est également un outil pratique car il permet d’être très réactif sur le terrain. En plus la personnalisation est importante car beaucoup de paramètres de l’appareil restent modifiables.

Ce mode est un bon compromis entre le mode automatique (auto) et le mode manuel (M). C’est une bonne solution quand on ne sait pas trop comment appréhender une scène. De plus les résultats sont bons en général.

Le mode S (ou Tv): priorité vitesse

Le mode S permet de donner la priorité à la vitesse: avec la molette de réglage, vous choisissez le temps de pose et le calculateur de l’appareil détermine l’ouverture qui convient.

Tout comme le mode programme, ce mode ne gère que l’exposition, les autres paramètres de la prise de vue sont personnalisables.

Ce mode va principalement servir à la photo du mouvement:

• La photo de sport demande un temps de pause très court pour avoir une netteté impeccable. On va donc régler directement un temps de pose court.

• Pour faire ressortir la vitesse d’un véhicule en jouant sur le flou de mouvement, on va donner un temps de pose long.

Le mode A (ou Av): priorité ouverture

Le mode A permet de donner la priorité à l’ouverture du diaphragme: vous choisissez l’ouverture et l’appareil détermine le temps de pose (c’est en quelque sorte l’inverse du mode priorité vitesse).

Tout comme le mode Programme, ce mode ne gère que l’exposition, les autres paramètres sont personnalisables.

L’ouverture influence la profondeur de champs. D’un point de vue technique cette notion est relativement simple à comprendre, mais il n’est pas forcement simple de l’appliquer sur le terrain.

Une grande ouverture permet d’avoir une zone de netteté très faible. La principale utilisation de ce principe est le portrait. En faisant la mise au point sur le visage, le fond apparait flou: cela permet de lisser le fond et de détacher le sujet afin de focaliser l’attention dessus.

On peut également utiliser une faible profondeur de champs pour faire ressortir la perspective en jouant sur les flous.

A l’inverse, une grande profondeur de champs permet d’avoir une grande zone de netteté sur l’image. C’est utile en photo de paysage pour avoir tous les plans de l’image nets.

Le mode M: tout manuel

En mode manuel, c’est à l’utilisateur de régler le temps de pose ET l’ouverture. Ce mode demande donc une bonne maîtrise de la photo et de l’appareil.

Pour régler l’exposition en mode manuel, il y a deux solutions:

• Utiliser un autre mode pour faire une mesure et relever les valeurs de l’exposition.
• Fixer un des deux paramètres et faire varier le deuxième en gardant un œil sur la mesure de l’exposition.

Normalement, les autres modes permettent de s’abstenir du mode M. Ce mode s’utilise surtout pour des cas particuliers:

• Lorsque les modes automatiques ne parviennent pas à mesurer convenablement l’exposition (éclairage complexe),
• Pour l’utilisation d’un flash manuel (impossible de mesurer l’exposition pendant l’éclair du flash),
• Pour des effets avec une gestion particulière de la lumière ( light painting, open flash,… )

Conclusion

En résumé:

• le mode programme (P) est rapide et accessible,
• les modes priorités (S et A ou Tv et Av) sont intéressants pour maitriser simplement la prise de vue,
• le mode manuel (M) s’adresse à une pratique plus particulière et plus experte de la photographie.

En tout cas, n’hésitez pas à faire des tests lors de vos séances: la photo s’apprend avec la pratique. De plus, en numérique les essais sont gratuits alors profitez-en !

Dans la prochaine partie, nous allons nous intéresser au troisième paramètre qui régie l’exposition: la sensibilité ISO.

Lire la suite: L’exposition (4/4): La sensibilité ISO

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Note: cet article fait partie d’une série sur le principe de l’exposition en photographie. Si vous avez raté le début, je vous invite à lire la première partie du dossier: L’exposition (1/4): L’ouverture et le temps de pose.

Le temps de pose et l’ouverture agissent sur la quantité de lumière d’une photo (c’est ce que nous avons vu dans la première partie). Mais ces deux paramètres ont également une influence sur l’aspect de la photo. C’est ce que nous allons voir dans cette partie. Nous allons donc quitter le côté purement technique pour nous intéresser à l’aspect esthétique.

Le temps de pose

Le temps de pose (ou vitesse) est associé à la retranscription du mouvement. Un petit temps de pose permet de figer le mouvement:

Un temps de pose long permet d’obtenir des filés et du flou de mouvement pour retranscrire la vitesse:

Plus le temps de pose est long, plus le risque de flou de bougé est grand. Le risque est d’autant plus grand que la focale est grande. Il existe une règle empirique pour déterminer la vitesse minimale pour éviter le flou de bougé: Il faut que le dénominateur de la vitesse soit supérieur à la valeur de la focale.

Exemples:

• En focale 200mm, la vitesse minimale pour éviter le flou de bougé est 1/200s.
• En focale 50mm, la vitesse minimale est 1/50s.

Cette règle fonctionne plutôt bien et permet d’avoir un ordre d’idée de la vitesse. L’autre solution pour éviter les flous de bougé est de faire le choix de la stabilisation:

• En utilisant un trépied. En complément, pour les prise de vue vraiment délicate, il peut être utile d’utiliser une télécommande (ou le retardateur) pour éviter de faire bouger l’appareil en appuyant sur le déclencheur .
• A main levée en utilisant un objectif stabilisé. Il s’agit d’un système motorisé inclus dans l’objectif qui déplace une lentille et compense les mouvements du photographe. Ce système à ses limites mais il est vraiment utile pour les prise de vue avec des grandes focales.

L’ouverture

L’ouverture du diaphragme fait varier la profondeur de champ, c’est à dire la zone de la scène où les sujets sont nets.

• La profondeur de champ est petite (zone de netteté très faible) quand l’ouverture est grande.
• Inversement, la profondeur de champ est grande quand l’ouverture est petite.

Exemple: Les deux photos suivantes représentent une scène dans la même configuration. La mise au point est faite sur la balle bleue.

Ouverture à f/5.6 (grande ouverture). La profondeur de champ est faible: la balle bleue est nette, les autres sont clairement en dehors de la zone de netteté:

Ouverture à f/32 (faible ouverture). La profondeur de champ est grande: Les balles bleue, rose et noire sont nettes, les deux restantes sont légèrement floues:

On privilégie une faible profondeur de champs pour isoler un sujet (en portrait par exemple). Ça permet de rendre l’arrière plan flou et d’attirer le regard vers le sujet. Une grande profondeur de champs est utile quand on veut avoir plusieurs sujets nets dans différents plans (photo de groupe sur plusieurs rangées par exemple). De cette façon, aucun sujet n’est mis en valeur par rapport à l’autre.

D’un point de vue technique, les objectifs n’ont pas une qualité équivalente à toutes les ouvertures.

• A faible ouverture, il peut y avoir un phénomène de diffraction qui génère des effets lumineux involontaires (traces autour des lumières vives).
• A grande ouverture, des aberrations dues aux imperfections des lentilles de l’objectif peuvent là encore générer des effets lumineux (artefacts de couleurs).

Plus l’objectif monte en gamme, moins ces phénomènes sont visibles. Dans le cas général, il est préférable d’utiliser les ouvertures moyennes d’un objectif pour éviter de tomber sur ces défauts.

Conclusion

Cet article conclu la base théorique sur l’ouverture et le temps de pose. Vous savez maintenant de quelle façon le réglage de chacun des paramètres vont modifier l’apparence de la photo finale.

Dans la prochaine partie, nous allons voir comment les modes P, S, A et M de l’appareil photo permettent de choisir facilement un couple ouverture/temps de pose.

Lire la suite: L’exposition (3/4): Les modes P,S,A,M

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La réussite d’une image est conditionnée par la maîtrise de l’exposition. C’est donc la première chose à maîtriser lorsque l’on débute en photographie. Pas de chance, c’est aussi une des notions les plus complexes! Au travers de ce dossier en quatre parties, nous allons défricher cette notion pour en fixer les grands fondements.

Introduction

L’exposition correspond à la luminosité d’une photo. Une photo est sur-exposée quand elle est trop lumineuse et sous-exposée quand elle ne l’est pas assez. L’exposition est déterminée par trois paramètres clefs: l’ouverture du diaphragme, le temps de pose et la sensibilité (les ISO).

Dans ce dossier, nous verrons le principe de l’ouverture et du temps de pose (partie 1) puis quelle est l’influence de ces deux paramètres sur l’aspect de la photo (partie 2). Nous ferons le tour des modes P, S, A et M de l’appareil qui permettent de régler l’exposition (partie 3) et enfin, nous aborderons le cas de la sensibilité (partie 4).

Voici donc le sommaire:

1. L’exposition (1/4): L’ouverture et le temps de pose
2. L’exposition (2/4): Influences sur l’image
3. L’exposition (3/4): Les modes P,S,A,M
4. L’exposition (4/4): La sensibilité ISO

Dans cette première partie, nous allons donc nous intéresser à deux des paramètres de l’exposition: le temps de pose et l’ouverture.

Principe

Comme nous vennons de le voir dans l’introduction, l’exposition correspond à la gestion de la lumière sur une photographie. Le temps de pose et l’ouverture vont  influencer la quantité de lumière qui compose une photo.

L’image est d’autant plus lumineuse que:

• le temps de pose est long
• l’ouverture du diaphragme est grande

Le temps de pose

Le temps de pose (ou durée d’exposition) correspond au temps qui s’écoule entre l’ouverture et la fermeture de l’obturateur. Son influence est facile à comprendre : plus ce temps est long, plus la quantité lumière qui entre dans le boitier de l’appareil est importante. La luminosité est donc proportionnelle au temps de pose.

Le temps de pose est mesuré en fraction de secondes et ses valeurs sont normalisées:

Ces valeurs sont les valeurs approchées d’une suite géométrique de raison 1/2. Ainsi, lorsque vous faites varier le temps de pose d’une graduation, vous faites varier la luminosité dans un rapport de deux.

Exemple: en passant d’un temps de pose de 1/30s à 1/60s, la luminosité est divisée par deux.

Note: Les reflex numériques proposent souvent d’autres valeurs de vitesses. On trouve notamment des valeurs intermédiaires dans les hautes vitesses pour un réglage plus fin.

L’ouverture du diaphragme

L’ouverture va déterminer la quantité de lumière qui va entrer dans le boitier de l’appareil. Là aussi, le principe est logique: Plus l’ouverture est grande, plus la quantité de lumière qui entre dans l’appareil est grande et plus la photo est lumineuse.

La valeur de l’ouverture est donnée par le rapport entre la distance focale et le diamètre du diaphragme. Ces valeurs sont elles aussi normalisées:

Ces valeurs sont les valeurs approchées d’une suite géométrique de raison 1/. Ce rapport s’explique parce que la quantité de lumière qui entre dans le boitier de l’appareil est proportionnelle à la surface de l’ouverture du diaphragme. Lorsque l’on multiplie le diamètre du diaphragme par , on multiplie sa surface par 2.

Résultat: De même que pour la vitesse, lorsque vous faites varier la valeur de l’ouverture d’une graduation, vous divisez (ou multipliez) la luminosité par 2.

Attention: il faut bien faire la distinction entre l’ouverture et sa valeur: Lorsque que l’on parle de grande ouverture, on fait référence à une valeur faible et inversement. f/1 correspond donc à une grande ouverture et f/22 à une petite.

Représentation de l’ouverture (source image Wikipédia)

Lien entre les deux

Pour une scène donnée, le couple ouverture/vitesse n’est pas unique. En utilisant les valeurs normalisées de ces deux paramètres, il est facile de trouver tous les couples lorsque l’on en a un: lorsque vous augmentez l’ouverture d’une graduation, il suffit de compenser en diminuant la vitesse d’une graduation.

Exemple: Les couples vitesse/ouverture suivant donneront la même exposition:

• Ouverture: f/5.6; Vitesse: 1/60s
• Ouverture: f/4; Vitesse: 1/125s
• Ouverture: f/2.8; Vitesse: 1/250s

A vous de faire votre choix entre ces trois couples pour réaliser votre cliché car, bien que l’exposition soit identique, les trois photos seront différentes. C’est ce que nous verrons dans la deuxième partie de ce dossier.

Conclusion

Cet article est très théorique mais il regroupe des notions importantes. L’ouverture et le temps de pose se maitrisent assez bien mais on ne sait pas toujours d’où viennent les valeurs que l’on utilise. Dans la deuxième partie, nous allons voir quelle est l’influence de ces deux paramètres sur l’aspect de l’image.

Lire la suite: L’exposition (2/4): Influences sur l’image

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Nous avons déjà vu le principe de la profondeur de champ sur 1point2vue. Pour les irréductibles, voici une vidéo qui détaille de façon très claire ce principe.

La vidéo revient sur l’influence de la focale et de l’ouverture. Plein de bonnes choses à prendre !

• Accès direct à la vidéo

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Je passe pas mal de temps sur les forums spécialisé en photo. J’ai pu lire récemment un message posté par un futur photographe qui voulait « un appareil qui ne fait pas de photo flou ».

Cette demande m’a un peu surpris: Le flou serait donc l’ennemi du photographe ? Et bien en fait non… et oui ! En fait il n’existe pas qu’un seul flou. Pour pouvoir répondre à la question de l’intérêt du flou, il faut pouvoir en définir les différentes natures.

Le flou de mise point

Une photo est flou lorsque la mise au point n’est pas faite correctement (scoop !). Malgré tout ce flou peut aussi être à l’avantage du photographe: Une photo ne peut pas être nette partout à cause de la profondeur de champ. En utilisant ce principe de la bonne façon, on peut utiliser le flou pour lisser l’arriere plan de l’image.

Exemple de flou en arrière-plan

Dans le cas où le flou de mise au point ne concerne que l’arrière-plan, on parle alors de bokeh.

Le flou de bougé

On peut obtenir une photo flou lorsque l’appareil bouge pendant la prise de vue. Le risque de flou de bougé augmente avec l’augmentation du temps de pose et de la focale.

Un flou de bougé à cause d’un temps de pose trop long

C’est surement ce flou qui est le plus nuisible car il est artistiquement très peu exploitable (sauf dans le cas du filé et du camera tossing). De plus comme c’est l’appareil qui bouge, c’est toute la photo qui est flou.

Pour régler ce problème, il existe plusieurs solutions:

• Jouer sur l’exposition: Réduire au maximum le temps de pose en augmentant l’ouverture et/ou la sensibilité.
• L’objectif stabilisé: un système de lentilles mobiles compense le mouvement de l’appareil pour stabiliser l’image.
• Le trépied: évite tous les mouvements de l’appareil.

Le flou cinétique ou flou de mouvement

Dans la même lignée que le flou de bougé, le flou cinétique provient du mouvement. Il ne s’agit pas ici du mouvement de l’appareil mais du sujet. Là encore le risque de flou cinétique augmente avec le temps de pose.

Pour générer ce flou, il faut donc un temps de pose long et un appareil stabilisé (support ou système anti-vibration). Voici ce que l’on peut obtenir:

Flou cinétique réalisé avec un trépied et un temps de pose d’ 1s

Le flou radial

Le flou radial est un flou directionnel qui part du centre de la photo et vers les bords. Concrètement, ce flou s’obtient en faisant varier la focale (donc le zoom) pendant la pose. Il faut choisir un temps de pose relativement long (au moins une demi-seconde), déclencher et faire tourner la bague de zoom le plus rapidement possible.

Voici ce que l’on peut obtenir:

Flou radial produit par un zoom rapide

Ce flou est un peu en marge car il est forcement volontaire.

Conclusion

Alors que répondre à notre photographe en herbe qui veut un « un appareil qui ne fait pas de photo flou » ? Et bien on peut déjà lui conseiller de lire cet article !

Vous l’aurez compris, le flou peut être un défaut destructeur autant qu’un outil de création. Ennemi dans certain cas, allié dans d’autres. C’est au photographe de faire son choix en fonction de la scène qu’il a devant les yeux et des limites de son matériel.

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La profondeur de champs (PDC) est une notion primordiale de la photographie. C’est un paramètre technique ET artistique qu’il faut bien comprendre pour évoluer dans la pratique de la photo.

Définition

Pour faire la mise au point en photographie, il faut cibler un élément de la scène. L’appareil détermine alors à quelle distance se trouve le sujet et déplace les lentilles de l’objectif pour que ce sujet soit net. La mise au point est donc directement liée à la distance entre le sujet et l’appareil. Un élément plus éloigné ou plus proche que ce sujet sera alors flou.

Exemple: sur le schéma ci-dessous, la mise au point est faite sur la fleur rouge. Les fleurs bleue et verte seront alors floues car en dehors de la zone de netteté.

Il y a donc une zone où le sujet est net et deux zones (en avant et en arrière) où tout est flou. C’est cette zone où les détails sont nets que l’on appelle la profondeur de champ.

Comment influencer la PDC ?

Plusieurs paramètres permettent de maîtriser la profondeur de champ.

• Ouverture: Plus l’ouverture est grande, plus la profondeur de champs est courte.

Exemple: les deux photos suivantes ont été prises dans les mêmes conditions. Avec une ouverture F/22 (faible ouverture), la profondeur de champ est maximale: quasiment toutes les cartes sont nettes.

Avec une ouverture F/3.5 (grande ouverture), la profondeur de champ est très courte: seule la première carte est complètement nette.

• Longueur Focale: Plus la focale est grande, plus la profondeur de champ est courte.

• Distance du sujet: Plus le sujet sur lequel est faite la mise au point est proche, plus la profondeur de champ sera courte.

Par exemple, sur le paysage de montagne ci-dessous, mêmes si les sommets sont à des kilomètres les uns des autres, ils sont tous nets, car très éloigné de l’appareil.

Si on reprend l’exemple précédant, il n’y a que quelques centimètres entre la première et la deuxième carte. Pourtant la différence de netteté est très visible car les cartes sont très proches de l’objectif.

Bilan

Pour avoir une profondeur de champ la plus courte possible, il faut donc:

• Une grande ouverture
• Une grande focale
• Etre le plus près possible du sujet

Et inversement pour avoir une grande profondeur de champ.

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Dans ce tutoriel, nous allons créer un effet qui donne une impression de miniature avec Gimp. Cet effet (connu sous le nom de « tilt-shift effect« ) permet de donner l’impression qu’un objet est beaucoup plus petit qu’en réalité en jouant sur la profondeur de champ.

Voici ce que l’on va obtenir:

Et voici l’image de base:

Le principe est de diminuer artificiellement la profondeur de champ. Pour cela, on ajoute des zones de flou progressif en haut et en bas de l’image. Toute la difficulté consiste à jauger la quantité de flou et la répartition de ce flou.

Manipulation

On ouvre donc la photo avec The Gimp. On duplique le calque « Arrière-Plan » avec le bouton dupliquer dans la fenêtre des calques.

Maintenant, on va rendre flou le calque que l’on vient de créer. Pour cela: menu « Filtres » ->  »Flou » ->  »Flou gaussien ». Dans la fenetre d’option, choisissez une valeur de flou de 10px et validez.

Ajoutez un masque sur le calque « Copie de Arrière-Plan »: clic droit sur le calque puis « ajouter un masque de calque ». Dans la fenêtre d’option, sélectionnez « Blanc (opacité complète) ».

Il reste maintenant à travailler le masque de calque pour que la transition entre le calque net et le calque flou soit progressive. Pour cela, on va utiliser l’outil dégradé de la boite à outils.

Dans les options de l’outil dégradé, on choisit le mode « différence ».

On sélectionne le masque du calque « Copie de Arrière-Plan » et on dessine un dégradé comme sur l’image suivante: (la flèche rouge donne une idée des points de départ et d’arrivée du tracé)

Une partie de l’image devient nette: on dessine un deuxième dégradé comme sur l’image suivante: (la touche « Ctrl » pendant le tracé permet d’avoir un trait vertical)

Et voila, c’est tout. On obtient le résultat escompté:

Conclusion

Cet effet est très simple à réaliser mais il demande souvent de pas mal tâtonner avant d’arriver au résultat que l’on souhaite. Comme je le disais au début, la valeur du flou gaussien et la façon dont on trace les dégradés sont déterminants.

Je n’ai pas détaillé ici le principe de l’outil dégradé en mode différence: je vous invite à le tester vous même car il permet de réaliser des effets très intéressants.

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